Schlagwort: Schauspiel

THEATER: Theatertreffen 2020 virtuell

Das Berliner Theatertreffen findet in diesem Jahr erstmals im virtuellen Raum statt. Vom 01. bis 09. Mai. Gezeigt werden – neben interessanten Talks und Weiterem – sechs Inszenierungen aus der 10er Auswahl als Mitschnitte on Demand für jeweils 24 Stunden. Live-Nachgespräche mit Produktionsbeteiligten und dem Publikum geben Gelegenheit zum Austausch.

Dazu kommt das TT Kontext-Programm „UnBoxing Stages – digitale Praxis im Theater“. Klingt interessant. Theater im Stream zu sehen, verändert ja das Erlebnis. Ich bemerke es auch. Es fehlt etwas Gewohntes, das Liveerlebnis, die Anspannung des Abends, aber man richtet sein Augenmerk vielleicht etwas anders aus und findet seinen Weg und seine Interessen und Freuden dabei!

Gezeigt werden:

  • Hamlet (William Shakespeare und Hamletmaschine von Heiner Müller) vom Schauspielhaus Bochum (HIER mehr.)
  • Anatomie eines Suizids vom Deutschen SchauSpielHaus Hamburg (HIER mehr)
  • Die Kränkungen der Menschheit, eine Koproduktion der Münchner Kammerspiele, des HAU Berlin, des Theaters Kampnagel Hamburg und des Künstlerhauses Mousonturm Frankfurt (HIER mehr)
  • Süßer Vogel Jugend (Tennessee Williams) vom Schauspiel Leipzig (HIER mehr)
  • Chinchilla Arschloch, waswas vom Künstlerhaus Mousonturm, Schauspiel Frankfurt und Rimini Apparat (HIER mehr)
  • The Vacuum Cleaner von den Münchner Kammerspielen (HIER mehr)

HIER der link zur Seite des Theatertreffens virtuell, auf der die sechs gezeigten Produktionen angekündigt werden.

HIER der link zur Seite des Theatertreffens virtuell, auf der das vollständige Programm von THEATERTREFFEN VIRTUELL gezeigt wird.

Beitragsbild: Wortmarke der Berliner Festspiele

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THEATER ONLINE

Auch das Deutsche Theater Berlin ist jetzt dabei, bietet Inszenierungen – sogenannte „DT Klassiker“ – im Stream! Los geht es heute, Dienstag, den 7. April 2020 mit Kinder der Sonne von Maxim Gorki in der Regie von Stephan Kimmig. Ab 18.00 Uhr bis Mittwoch 12.00 Uhr.

Das Angebot läuft unter dem Label „HEIMSPIEL“.

Dann geht es weiter Donnerstags und Dienstags zunächst mit:

  • Donnerstag 09. April 18.00 Uhr bis 11. April 12.00 Uhr: Philotas von Gotthold Ephraim Lessing, Regie: Friedo Solter
  • Dienstag 14. April 18.00 bis 15. April 12.00: Marat/Sade von Peter Weiß, Regie Stefan Pucher
  • Donnerstag 16. April 18.00 bis 17. April 12.00: Die Weber von Gerhart Hauptmann, Regie: Michael Thalheimer

HIER der link zur Seite des Streamingangebotes des DT Berlin.

THEATER ONLINE: TIPP

Vielleicht kann der/die ein oder andere einen Theatertipp vertragen. Das Angebot ist ja sehr groß: Wer Interesse und Freude an hervorstechenden schauspielerischen Leistungen hat, findet hier wahrlich etwas! Schauspielerisch ist die Inszenierung wunderbar, sie funktioniert meines Erachtens gerade deswegen online.

Aber auch sonst – ich mag es, nicht mit „Effekten“ überladen zu werden – ist es eine sehr schöne Inszenierung! Ansehen!

„Der kaukasische Kreidekreis“ von Bertolt Brecht, gebracht am Berliner Ensemble. Eine Inszenierung von Michael Thalheimer. Die Inszenierung hatte 2017 zur Eröffnung der Intendanz von Oliver Reese dort Premiere. Die „Geschichte“ des Stückes ist klar und „übersichtlich“, es ist einfach gut umgesetzt.

Aus dem aktuellen Programm des Berliner Ensembles. Es ist noch bis Freitag online als Streaming zu sehen. Das Berliner Ensemble stellt jede Woche für eine ganze Woche ein Stück online zur Verfügung. Mehr nicht. Diese Vorgehensweise hat mir ganz gut gefallen, weil man nicht täglich mit neuen Angeboten überschüttet wird.

Das Angebot an Inszenierungen und Performance, die man derzeit online im Stream oder Live sehen kann, ist ja sehr schnell gewachsen. Jetzt steht man schon vor der Aufgabe, dass auszuwählen, was einem wirklich gefällt. Zu viel Angebot und die Tatsache, dass man ja jederzeit an- und ausschalten kann, verdirbt ja manchmal fast die Lust und Konzentration auf einen Theaterabend. Man muss lernen, damit umzugehen! Auf was will man Wert legen? Das Liveerlebnis mit all seinen Facetten im Theater ist online reduziert, aber manchmal sehr wertvoll!

Man sollte sich – denke ich – vorher gut überlegen, mit welchem Angebot man sich auseinandersetzen will. Und dann sollte man auch konsequent bleiben, dranbleiben, nicht „switchen“! Das sind erste Erfahrungen. Es geht noch weiter: Nicht jede Inszenierung, die man live im Theater sehen konnte, „funktioniert“ auch in gleicher Weise online, also beeindruckt nicht in gleicher Weise. Es fehlt ja der „Geruch“ des Liverelebnisses. Es gibt meines Erachtens Inszenierungen, die online sehr gut funktionieren und andere, die online weniger gut funktionieren. Jeder wird seine Erfahrungen machen.

HIER der link zu „BE on demand“ mit dem Streaming.

HIER der link zur Stückeseite des BERLINER ENSEMBLES.

Copyright des Beitragsbildes: Matthias Horn

THEATER ONLINE TIPP und MUSIK: Philippe Quesne – Caspar Western Friedrich

Das Streamingangebot deutschsprachiger Bühnen – auch Oper etc. – hat ja schnell große Ausmaße angenommen. Man sieht die Angebote gebündelt gut bei www.nachtkritik.de. HIER der link. Ein Streamingangebot möchte ich hervorheben.

Meine Empfehlung: Morgen, Samstag, 28. März 2020, ab 18:00 Uhr kann es für 24 Stunden gestreamt werden: “Caspar Western Friedrich“ von den Münchner Kammerspielen. Schon aus aktuellem Anlass.

Es war eine Arbeit des für Bühnenbilder berüchtigten Kanadiers (?) Philippe Quesne, sie hatte Uraufführung an den Münchner Kammerspielen, Januar 2016.

Ein wunderschöner Theatermoment beginnt mit Minute 50 des Streaming. Dazu auch die Musik, „Goodbye Precious Falling“ von Quickspace. Ansehen und anhören!! Ich stelle den Song unten ein.

Das Stück ist im Grunde von unglaublicher Aktualität: Es zeichnet sich zum Einen dadurch aus, dass der Mensch nicht sich selbst, sondern die Natur betrachtet. Wie Caspar David Friedrich auf seinen Gemälden und wie die Cowboys im Wilden Westen. Und wie wir alle derzeit erzwungenermaßen weltweit fassungslos das bedrohliche Coronavirus erleben, eine brutale Naturerscheinung.

Die SchauspielerInnen des Stückes sieht man auch meist von hinten. Sie stehen auf der Bühne und betrachten fassungslos die Natur. Errichten etwas – das ist der Unterschied zum aktuellen Stillstand. Auch das ist aber durchaus bezeichnend in seiner Aktualität: Wir müssen uns derzeit voneinander abwenden! Umso schöner wäre es, wenn wir in dieser Situation tatsächlich unser Verhältnis zur Natur etwas überdenken.

Das „Stück“ ist leider in München nicht sehr gut angekommen. Das Münchner Theaterpublikum folgte wohl auch der heftigen Kritik am Programm der Münchner Kammerspiele seitens der Medien (vor allem der Süddeutschen Zeitung – HIER die insoweit deutliche Besprechung von Christine Dössel, SZ im Januar 2016). Man hatte leider viel zu wenig Verständnis für den so speziellen, aber athmosphärisch wunderschönen Ansatz des Stückes, viel zu wenig Verständnis für das von Matthias Lilienthal damals (es war seine erste Spielzeit in München) zusammengestellte Programm der Kammerspiele – es war oftmals überraschend, keine Frage.

Die Aufzeichnung der hier gezeigten Aufführung muss etwas später gewesen sein, Peter Brombacher liest am Ende Worte der Enttäuschung des Ensembles über das angekündigte Ende der Intendanz von Matthias Lilienthal vor, Minute 1:30:00 des Streaming.

Auch Caspar Western Friedrich war alles andere als Sprechtheater. Es ist aber ein Stück der totalen Entschleunigung. Auch das hochaktuell!

Ich empfehle das schöne, malerische und wortkarge Stück. Ich habe es mehrfach gesehen und hoffe, dass das Streaming einiges von der Atmosphäre transportieren kann. Einfach wirken lassen, darum geht es.

HIER der link zur Stückeseite auf der Website der Münchner Kammerspiele.

Hier Quickspace mit Goodbye Precious Falling:

Copyright des Beitragsbildes: Martin Argyroglo

THEATER: Berliner Schaubühne online

Auch die Berliner Schaubühne öffnet jetzt ihr Videoarchiv! HIER der link zur Schaubühne!

THEATER: Streaming der Münchner Kammerspiele

Auch die Münchner Kammerspiele bieten jetzt Theater Online! Sie stellen jeden Tag den internen Mitschnitt einer Inszenierung aus dem Spielplan online. 24 Stunden lang! Ein wunderbares Angebot!

Es beginnt mit „No Sex“ von Toshiki Okada.

Es folgen:

HIER der link zur Website der Münchner Kammerspiele.

THEATER: Streaming auf nachtkritik.de

Der Online-Stream von „Tyrannis“ von Ersan Mondtag ist leider schon wieder beendet. Nachtkritik.de bietet aber weitere Streams interessanter Theaterinszenierungen an!

Ab heute 18.00 Uhr kann man auf nachtkritik.de im „Digitalen Spielplan“ die „monumentale“ Inszenierung des „Ljod – das Eis“ von Vladimir Sorokin von Jan-Christof Gockel sehen. Heute zeigen sie die ersten beiden Folgen. Folgen 3 bis 6 erscheinen dann bis Samstag! Manch einer hat ja jetzt viel Zeit!

In der ab 2002 erschienenen Trilogie „Ljod – Das Eis“, „Bro“ und „23.000“ erzählt der russische Autor Vladimir Sorokin die Story einer Geheimgesellschaft vermeintlich Auserwählter, die sich grausam ihren Weg durch das 20. Jahrhundert bahnt mit dem Ziel, die Erde von ihrem Übel zu befreien: Von den Menschen – diesen Fehlschöpfungen, die sich gegenseitig bekriegen und ihre Umwelt zerstören, weil sie nicht die Sprache des Herzens sprechen.

Dazu passend meine Überlegung: Corona wird gut sein für die Welt! Wir müssen da durch, es wird viele schlimm treffen! Fürchterlich! Aber wir merken hoffentlich, dass alles fragil ist, dass wir uns anders um die Menschheit kümmern müssen! Dass wir in so vielen Dingen auf die Bremse treten müssten! Können wir das? Man sagt ja schon: „Die Welt wird eine andere sein!“ Hoffentlich eine irgendwie bessere! Es gäbe viele, viele Ansätze, wir rennen alle in die falsche Richtung, in so vielerlei Hinsicht rennen wir immer schneller gegen die Wand! Wir brauchen Politiker, die das aufhalten!! In vielen Belangen werden wir, denke ich, nur mit Regulierungen auskommen. Mensch und Tier – Mensch und Natur – Mensch und Mensch – alles ziemlich desolat! Nur mit Überzeugung und Freiwilligkeit wird nicht viel gehen! Zu fürchten ist nur: Der Mensch sagt sich lieber: „Mein Gott, Corona stört unsere schöne Welt“ – und macht so weiter wie bisher. Ich hoffe, es gibt gravierend Anderes.

HIER der link zur Website von nachtkritik.de. Direkt zum Stream kann ich noch nicht verlinken (Mittwoch nachmittag).

THEATER: Streaming auf nachtkritik.de

Das Leben hört ja nicht ganz auf! Wir müssen uns ja irgendetwas erhalten! Etwa das Interesse für Kultur. Für das Theater etwa. Weil die meisten Theater nicht mehr spielen können – auch das diesjährige Theatertreffen wurde abgesagt -, stellt nachtkritik.de einen digitalen Spielplan aus Livestreams und Aufzeichnungen von Inszenierungen zusammen.

Eine schöne Idee! Heute, am 16. März, und morgen, am 17. März, wird ein Mitschnitt von Ersan Mondtags „Tyrannis“ gezeigt. Es lief am Staatstheater Kassel und war zum Berliner Theatertreffen 2016 eingeladen. Auch zu Radikal Jung 2016. Statt Fernsehen wäre das doch eine Alternative!

Hier das Streaming:

https://vimeo.com/170436189

THEATER: René Pollesch – It’s so easy, was schwer zu machen ist.

René Pollesch hatte an den Münchner Kammerspielen mit seiner neuesten Inszenierung „Passing – its so easy, was schwer zu machen ist“ Uraufführung. Eine riesige Spinne auf der Bühne, um sie dreht sich alles. Es ist ein Theoriewulst ohne eine bestimmte Handlung – nicht ganz zeitgemäß, aber irgendwie gewinnendes Theater.

An Drahtseilen auf- und abfahrend, nicht bedrohlich, nicht ekelhaft – wie einst Tarantula, die im Hintergrund in Filmausschnitten längere Zeit zu sehen ist – ,ihr Inneres kann bestiegen werden, sie sitzen teils im Inneren.

Auf www.nachtkritik.de ist die Spinne beschrieben als „Porsche Cayenne-gleiche Spinne“. In der Tat, nicht schwarz, nicht behaart, fast schick, modern, wie das Interieur eines hochklassigen PKW – orangefarben, schwarz, silberne Metallzusätze. Auf dem Weg zu Künstlicher Intelligenz.

Nicht nur mit der Spinne greift René Pollesch im Grunde zunächst einmal in eine Zeit zurück, die nicht mehr existiert. Blicke in die Zeit der 70er-Jahre sind es. Auch die SchauspielerInnen sind – in amerikanischem Style – in dieser Zeit – der Zeit der Tarantulafilme, der B-Movies – gekleidet. Und Filmausschnitte alter Streifen eben – schwarzweiß – sieht man. Auch Tarantula. Andererseits die „moderne“ Spinne auf der Bühne, das ist der Widerspruch an diesem Abend, mit dem man umgehen muss.

Verbunden sind beide „Zeiten“ durch zeitlose Themen, über die alle – ohne erkennbare Orientierung – reden. Inhaltlich kann man den Abend kaum genauer beschreiben, geschweige denn zusammenfassen. Man beobachtet eine Gruppe von Menschen (sechs Personen), wie sie sich letztlich Gedanken macht zu diesen Themen – Text, Theorie, Sprache, René Pollesch eben, ein wenig Kapitalismuskritik, Bertolt Brecht, das Theater ( … das Theater müsste ein Flugblatt sein, dann könnten es auch die sehen, die am Boden liegen …), das Leben.

Es hat mit Themen zu tun, die wohl nach René Polleschs Ansicht zeitlos und auch jetzt zeitgemäß sind. „Passing“ heiße „… durchgehen als …„, eines der Themen, über die geredet wird. Sinngemäß: „Wir wollen nicht sein, was wir sind – das können wir garnicht -, wir wollen „durchgehen als …„“. Passing eben. Wie Schauspieler. Oder sinngemäß: „Im Grunde wollen wir, dass immer nur etwas „nebenan“ geschehe, nicht unmittelbar mit uns„: Und alle sagen etwas dazu.

Handlung? Ein Film wurde gedreht. Im Abspann heißt es aber nicht „Ende“, sondern „Fertig!“. Der Regisseur – Thomas Schmauser – regt sich auf, versteht es nicht. Auch die Anderen – Kathrin Angerer, Kinan Hmeidan, Kamel Najma, Benjamin Radjaipour, Damian Rebgetz – überlegen, sind verwirrt. Und schon ist man im ersten Thema: Was ist schon jemals „zu Ende“? Und „Fertig“: „Fertig“ als abgeschlossen, „fertig“ als erschöpft, am Ende, oder was? Und sie reden.

Was überzeugt und Spaß macht, sind die SchauspielerInnen: Kathrin Angerer – die herrlich Harmlose, Unbedarfte. Benjamin Radjaipour – der junge Schlaue, Thomas Schmauser – der aufgeregte Regisseur/Filmproduzent. Diese Drei spielen wunderbar! Sie machen den Abend zu einem doch noch gelungenen Abend! Damian Rebgetz – amerikanischer Cop der 70er Jahre – ist als Einziger nicht genau einzuordnen, hatte vielleicht auch am ehesten Schwierigkeiten damit. Und Kinan Hmeidan und Kamel Najma – meist in ihrer Muttersprache redend.

Realitäten und Gedanken ändern sich. Entsprechend ändern sich Blicke. Man merkt es ja immer wieder am Theater. Und wie ist es bei René Pollesch, Ikone der Theaterwelt der letzten 30 Jahre? Ganz zeitgemäß sind seine Themen in „Passing“ nicht, fand ich, es gibt Brennenderes. Gut, Theater muss nicht „zeitgemäß“ sein, muss nicht immer die Finger in die Wunde legen! Aber wenn man René Polleschs Herangehensweise etwa mit Milo Rau, Forced Entertainment, vielen anderen vergleicht: René Polleschs Abend hatte dann etwas Altbackenes, etwas die zurzeit brennende Welt Verharmlosendes. Muss auch mal sein, könnte man sagen!

Kleine „Abschweifungen“ zur Realität noch: Wir stecken in ihr fest, so ist es! Darum geht es! Noch dazu ist es ja so: Der Mensch findet keine guten Lösungen für die Realität! Er bemüht sich, aber meist geht es schief. Unfähig sind wir! Man sieht es weltweit! Hier und da gibt es eine gute Lösung, aber im Grunde: „Fehlanzeige“!

Es geht daher darum, Alternativen zur Realität zu erkennen, das ist unsere einzige Chance! Und gerade die Kunst – dazu gehört die Theaterkunst – ermöglicht es, solche Alternativen zur Realität aufzuzeigen, aufzuspüren! Und die Realität zu kritisieren! Zu zeigen, wie man die Dinge auch sehen kann, wie man sich in ihr verhalten könnte, sie verändern könnte, sie sich wünschen kann …. jede Kunst schafft subjektive Möglichkeiten, uns von der Fessel der Realität zu lösen … was immer dringend nötig ist, immer gut tut.

Nur den Blick auf die letztlich in die Irre führende Realität gerichtet, verlören wir unser Kritikbewusstsein, bekämen einen Tunnelblick, würden Alternativen nicht erkennen, würden Toleranz verlieren, würden uns und die Realität für das Wahre halten, würden an der Realität scheitern, verzweifeln! Wir würden übersehen, auf welch verschiedene Arten wir die Realität sehen und gestalten könnten. Wir würden uns und die Realität mehr und mehr verkennen! Man stelle sich vor, es gäbe nur die Realität – was auch immer die Realität ist, jeder hat ja seine eigene Realität.

Fazit: Ein recht amüsanter Theaterabend, nicht aufregend, etwas weltfremd. HIER der link zur Stückeseite.

Copyright des Beitragsbildes: Thomas Aurin

THEATER: Bertolt Brecht – Im Dickicht der Städte

Kämpfen war in den letzten Wochen – mit verschiedenen Schwerpunkten – das Motto an den Münchner Kammerspielen: Es geht uns ja eigentlich täglich um einen Kampf – den Kampf gegen große und kleine Widrigkeiten, den täglichen Kampf der Selbstbehauptung.

Es begann mit dem kleinen Festival „Friendly Confrontations“, vor etwa zwei Wochen. Man konnte unter anderem einen dokumentarischen Film sehen, in dem gezeigt wurde, wie Boxsportler des TSV 1860 München in ein Trainingslager nach Ghana fuhren. Danach konnte man einen Abend lang Boxduelle verschiedener Gewichtsklassen zwischen Boxsportlern des TSV 1860 München und denjenigen einer ghanaischen Auswahl – wohl der Nationalmannschaft – ansehen. Richtige Boxkämpfe – im Theater, in Kammer 2 der Münchner Kammerspiele.

Dahinter stand sportliche Freundschaft zwischen Boxern verschiedener Nationen. Kampf und Freundschaft. Kampf muss nicht immer gehässig sein. Hier ein eigenhändig geschossenes Bild:

Kurze Zeit später das Bochumer Gastspiel der „Penthesilea“ von Heinrich von Kleist in den Kammerspielen. Eine Inszenierung des Klassikers von Johan Simons. HIER mein Bericht dazu. Auch dort ging es um Kampf. Penthesilea muss Achill besiegen, sie liebt ihn. Und Achill liebt Penthesilea. Kampf und Liebe.

Und jetzt Premiere von Bertolt Brechts sehr frühem Stück „Im Dickicht der Städte“. Eine Inszenierung von Christopher Rüping, der mittlerweile – er war ja mehrere Jahre lang an den Münchner Kammerspielen – Hausregisseur am Schauspielhaus Zürich ist.

Noch früher hatte Bertolt Brecht „Trommeln in der Nacht“ geschrieben, das Christopher Rüping ebenfalls inszeniert hatte. Und auch jetzt wieder geht es ums Kämpfen. Man hörte immer wieder auch bei dieser Inszenierung den Gong für die Einleitung einer weiteren „Runde“. Bertolt Brecht schildert einen „Kampf“ zwischen einem Holzhändler (Shlink) und einem kleinen Angestellten einer Buchhandlung (Garga). Der Holzhändler fordert den Kampf – man weiß gar nicht warum. Des Kämpfens willen? Der Selbstbehauptung willen? Er gibt alles auf, schenkt es Garga. Alles kommt ins Wanken. Schwer zu verstehen, was Bertolt Brecht dabei dachte. Kampf und Soziales sicher auch. Auch Kampf gegen Einsamkeit, Kampf gegen Aussichtslosigkeit. Kampf jedes/r einzelnen.

Bertolt Brecht Stück ist insgesamt äußerst schwer verständlich. Ich könnte es dreimal lesen, würde es nur bruchstückhaft verstehen. Hieraus eine Inszenierung zu machen, ist erstaunlich. Christopher Rüpings Inszenierung folgt zwar dem Verlauf des von Bertolt Brecht geschriebenen Stückes. Vor allem viele soziale Aspekte aber, die Bertolt Brecht in seinem Stück brachte und die ihm wahrscheinlich wichtig waren, verschwinden bei der Inszenierung von Christopher Rüping. Rüping holt Bertolt Brecht Stück in die mittlerweile völlig veränderte Gegenwart, legt den Schwerpunkt eher auf die Isolierung jedes einzelnen Menschen.

Beginnend schon vor der Aufführung, wenn sich im Foyer des Theaters Schauspieler/innen in einer riesigen durchsichtigen Plastikkugel aufhalten und nur auf ihr Handy starren. Sie hören nichts, sehen niemanden an. Die chaotische Bühne ist nur mit Rollkisten für Requisiten vollgestellt. Das Ensemble leistet durchgehend wieder Erstaunliches in dieser sehr freien Inszenierung. Jede/r spielt jede/n, es werden verschiedene Sprachen gesprochen. Das Dickicht von Großstädten, auch so holt Christopher Rüping das Stück in die Gegenwart.

Und jeder kämpft irgendwie um Liebe, ohne zum Ziel zu gelangen, ohne auch zur Liebe fähig zu sein, ohne auf Gegenliebe zu stoßen … Schwerpunkt dieser Inszenierung: Liebe und Anerkennung, nicht – wie eher bei Brecht – Soziales. Ich habe das Stück erst im Nachhinein gelesen und werde mir die Aufführung ein weiteres Mal ansehen. Erst dann, glaube ich, kann ich mehr beurteilen. Erst dann werde ich mehr darüber schreiben können.

Es wird sich empfehlen, Bertolt Brechts Stück „Im Dickicht der Städte „ vorab gelesen zu haben, auch wenn Brecht einen wohl anderen Schwerpunkt im Auge hatte. Und auch, wenn es schwer fallen wird, Brechts Originalstück zu verstehen.

Sehen kann man diese Inszenierung im März an vier Terminen. Ein Theaterabend fürs irgendwie freie Theater, nicht klassisch, nicht umwerfend. Vielleicht auch an Bertolt Brechts Original vorbei. Aber es heißt ja auch: „Im Dickicht der Städte“ NACH Bertolt Brecht. Es hätte auch heißen können: „Im Dickicht der Städte HEUTE“

HIER der link zur Stückeseite.

Copyright des Beitragsbildes: Julian Baumann

THEATER: Heinrich von Kleist – Penthesilea

Von ganz oben hängen hinten an der Rückwand der Bühne und an den Seitenwänden tiefschwarze Vorhänge herab. Vorne ist der Bühnenboden – vielleicht in einem Meter Breite – grell von unten beleuchtet, ein Plexiglasboden vielleicht. Ein grelles dünnes Lichtband. Und zwei Personen: Penthesilea und Achill. Mehr nicht.

Ein Gastspiel des Schauspielhauses Bochum. Inszenierung von Johann Simons. Klingt ja interessant. Schauspieler sind noch dazu die renommierten Sandra Hüller (als Penthesilea ) und Jens Harzer (als Achill). Starbesetzung. „Penthesilea“ von Heinrich von Kleist, Textfassung von Vasko Boenisch.

Ein alter Stoff? Nun: Es ist doch immer wieder erstaunlich, was die „alten“ Griechen schon an Konflikten in ihren Mythen, Erzählungen, Dramen etc. kreiert oder beschrieben hatten. Erwähnt wird Penthesilea etwa in der Aithiops, einem Epos, das einem gewissen Arktinos von Milet um 750 v. Chr. zugeschriebenen wird. Und um 20 v. Chr. wird sie kurz in der Aeneis von Vergil erwähnt. Heinrich von Kleist hat in seinem Drama „Penthesilea“ den Mythos um Penthesilea allerdings stark verändert. Dennoch, der geschilderte, behandelte Konflikt um Penthesilea bleibt: Liebe und Kampf.

Die Zeit des griechischen Altertums, sie ist andererseits nicht lange her: Meine beiden Großväter etwa, die ich noch persönlich kannte, waren Ende des 19. Jahrhunderts geboren! Ich kannte sie. 1899 war der eine von ihnen geboren, 1883 der andere. Heinrich von Kleist starb auch im 19. Jahrhundert, wenige Jahre davor. Er brachte ja seine Freundin und dann sich selbst im Jahre 1811 um. Heute leben wir im 21. Jahrhundert. So schnell vergeht die Zeit.

Und etwas weiter zurückgeblickt ins Mittelalter und ins Altertum sind es dann auch nur nur wenige Generationen. Wenige Generationen! Noch im Mittelalter „überlegte“ man etwa, ob nicht Latein, das „alte“ Latein, die große europäische Sprache werden könnte oder müsste. Es wurde Englisch, aber man sieht: Es liegt alles nah beieinander!

Und Henrich von Kleist – auch die Griechen – werden im Grunde ihres Herzens oft auch so gefühlt haben, wie wir es heute tun. Der Mensch hat sich ja nicht völlig verändert. Er und seine Gefühlswelt jedenfalls. Die Lebensweise schon. Heinrich von Kleist hatte eben die Gabe, diese Gefühlswelten in seinen Werken darzustellen.

Zum Abend an den Kammerspielen: Zwei Aufführungen von „Penthesilea“ von Heinrich von Kleist gab es an den Kammerspielen. Das Stück läuft weiterhin im Schauspielhaus Bochum. Der Spielplan des Schauspielhauses Bochum ist ja im Blog rechts oben in der Rubrik „Websites und Spielpläne von Theatern“ leicht zu finden. Sandra Hüller spielt derzeit übrigens in Bochum auch in der zum Berliner Theatertreffen 2020 eingeladenen (!) Inszenierung von Shakespeares Hamlet von Johan Simons. Sie spielt die Rolle des Hamlet.

Und: Am Schauspielhaus Bochum gibt es die Reihe „Johans Happy Hour“. Johan Simons im Gespräch mit SchauspielerInnen/RegisseurInnen der Produktionen. Am 17.2.2020 führt er dort ein Gespräch mit Sandra Hüller.

Und noch etwas: In der neuen Ausgabe von DIE DEUTSCHE BÜHNE gibt es ein Interview mit Sandra Hüller. Sie ist also in aller Munde – nicht erst seit dem großen Filmerfolg „Toni Erdmann“.

„Penthesilea“ von Heinrich von Kleist, die Amazonenkönigin, die sich vor Trojas Toren Achill als Liebschaft auserwählt. Die Amazonen wählten ja immer wieder Männer aus, um mit ihnen lustvoll auf dem so genannten Rosenfest Nachkommen zur Erhaltung des Geschlechtes der Amazonen zu zeugen. Auch Achill liebt Penthesilea. Es ist der Wahnsinn zwischen Liebe und Kampf, sowohl auf Seiten von Penthesilea, als auch auf Seiten von Achill. Heinrich von Kleist verdeutlichte dieses Duo „Liebe und Kampf“ noch.

Steckt hinter diesem „Duo“ nicht sogar der Gedanke: Liebe hat immer etwas mit Kampf zu tun! Liebe ist Kampf, wenn auch ganz versteckt. Eine Überlegung für Sigmund Freud. Mit Liebe wird der Geliebte oder die Geliebte irgendwie niedergerungen, könnte man sagen! Ein weites Feld! Kämpft nicht jeder Mensch gegen sein Gegenüber? Vor allem in der Liebe? Er oder sie ist es ja, die „Recht haben“ will. Genau so lässt sich jedenfalls Penthesileas Geschichte von Heinrich von Kleist komplett lesen.

Die Inszenierung von Johann Simons wagt sich allerdings nicht an solche Überlegungen heran. Auch nicht die Textfassung von Vasko Boenisch. Leider. Man verfolgt bei dieser Inszenierung eher das äußere Geschehen um Penthesilea und Achill. Das ist schade. Dem wunderbaren Text von Heinrich von Kleist wird so meines Erachtens zuviel Sensibilität genommen. Auch Sandra Hüller und Jens Harzer können dem nichts entgegensetzen. So großartig ihre Arbeit am Text ist – es fehlte meines Erachtens – jedenfalls an diesem Abend – eine irgendwie erregende Sensibilität. Es fehlte vielleicht das eigentliche Thema von Heinrich von Kleists „Penthesilea“. Das Zusammenwirken von Sandra Hüller und Jens Harzer – Träger des berüchtigten Iffland-Ringes – auf der Bühne strahlte meines Erachtens zu wenig den Aspekt der Liebe aus. Vielleicht war alles auch nur zu textlastig.

Insoweit war der begeisterte Applaus eher der großen Textleistung von Sandra Hüller und Jens Harzer geschuldet – oder allein ihren Namen. Mit Hamlet scheint Sandra Hüller derzeit am Schauspielhaus Bochum mehr zu überzeugen.

HIER der link zur Stückeseite. Und HIER ein Trailer zu „Penthesilea“.

Copyright des Beitragsbildes: Monika Rittershaus

THEATER: Anne-Cécile Vandalem – Die Anderen

Premiere von „Die Anderen“ war an der Berliner Schaubühne am 28. November 2019. Buch und Regie kommen von der Belgierin Anne-Cécile Vandalem. Es heißt über sie:

Geboren 1979 in Lüttich … Regisseurin, Autorin und Schauspielerin … Gründung von Das Fräulein (Kompanie) 2008 … im gleichen Jahr ihr Stück »(Self)Service«  am Théâtre Vidy-Lausanne (2008) … erster Teil einer Trilogie … zweiter und dritter Teil »Habit(u)ation« (Théâtre de Namur, 2010) und »After the Walls (UTOPIA)« (Théâtre de Namur, 2013), welche zum Kunstenfestivaldesarts in Brüssel eingeladen wurden … jüngste Arbeiten »Tristesses« (Théâtre de Liège, 2016) und »ARCTIQUE« (Théâtre national de Belgique, 2018) … Einladung zum Festival d’Avignon und FIND an der Schaubühne — Soundinstallationen – u. a. »Michel Dupont, réinventer le contraire du monde« (Théâtre de la Manufacture Avignon, 2011) … multimediale Installationen – z. B. »Looking for Dystopia« (2014) … Videoinstallationen – u. a. »Still too sad to tell you« (Théâtre national de Belgique, 2015) … Performative Projekte im öffentlichen Raum – wie »Que puis-je faire pour vous?« (2014-15).

Sie ist also sehr vielseitig. HIER ein Interview mit ihr.

Zum Stück „Die Anderen“:

Vandalem entwirft – auch mit „Die Anderen“ – gerne fiktive Geschehen. Schön ist insoweit ihre Sichtweise im obigen Interview (am Ende):

„… die Realität, in der wir alle feststecken … Mithilfe der Fiktion können wir der Realität entfliehen und andere politische Möglichkeiten aufzeigen.“

Und es ist ein anderer Theaterabend (oder besser: Nachmittag), als man es meist erlebt. Es ist nicht freie Kunst, nicht Interpretation, es ist feine Dokumentation einer abstrusen Geschichte. Das Stück wird im März mehrfach an der Schaubühne am Lehniner Platz in Berlin im Rahmen des dortigen Festivals FIND gezeigt werden. HIER der link zur Website der Schaubühne und HIER der direkte link zur Stückeseite.

Alles wirkt sachlich, wie eine Dokumentation. Und gleichzeitig wie ein Krimi. Man verfolgt, wie gesagt, ein seltsames Geschehen – in einem Hotel in einem völlig verlassenen Dorf. Man blickt auf düstere Atmosphäre.

HIER ein Trailer zum Stück.

Irgendetwas steckt hinter dem eigenartigen Geschehen, den eigenartigen Andeutungen und Reaktionen der Personen. Im Dorf leben keine Kinder. Der Sohn des Hotelbetreiberpaares, Emil, wird mehrfach angesprochen, tritt aber nie in Erscheinung. Auch der Mann von Marge, ein Lehrer. Erst spät, kurz vor Ende des Stückes, erfährt man weitgehend alle Einzelheiten.

Es geht dabei um einen „Anderen“. Die Anderen. Kann man ihnen immer die Schuld geben? Es wird nicht ausgesprochen, aber es scheint ein Ausländer, ein Flüchtling, zu sein, der zu Beginn im Dorf landet, nachdem er angefahren wurde. Er wird dort festgehalten. Die Dorfbewohner haben ein schreckliches Ereignis hinter sich. Sie versuchen es zu verarbeiten, leben seit Jahren mit dem Ereignis. Haben ihre Schlüsse gezogen, machen anderen Menschen Vorwürfe, haben Schuldgefühle, irgendwie spielt auch Rache an Anderen eine Rolle, sie verarbeiten es auf ganz besondere Weise … auch der Flüchtling und später eine Sozialarbeiterin, die nach dem Flüchtling sucht, spielen dabei eine Rolle. Sie werden als „Blitzableiter“ gebraucht. Und in dem Ereignis, das Jahre zurückliegt, spielte auch ein „Anderer“ eine Rolle. Auch ihm gibt man die Schuld.

In diesem Fall ist der oben genannte Trailer eine aussagekräftige Hilfe. Er zeigt den düsteren, dokumentarischen Charakter des Stückes.

Es ist kein Stück, in dem man den Schauspielern näher kommt. Man betrachtet ein fremdes Geschehen. Schauspielerisch empfand ich es daher fast etwas zu kurz gekommen. Andererseits: Sie spielen allesamt schräge Gestalten in natürlicher Einfachheit. Dokumentarisch eben.

Die still und düster im Hintergrund mitschwingende Musik basiert auf Kompositionen von Pierre Kissling. Alle Titel sind HIER zu hören.

Das Stück ist eine Zuspitzung. Es geht um das Eindringen Anderer in das Leben in dem kleinen Dorf. Zwar hält man immer die Anderen für schuldig, so ist es aber (wohl) nicht. Man könnte also sagen: Es ist ein Stück für Fremdenfreundlichkeit und darüber, dass die Probleme nicht immer von den Fremden kommen! Man sieht ein Dorf, das die Schuld am Scheitern bzw. Zusammenbrechen seiner Existenz den „Anderen“ in die Schuhe schiebt, ohne die eigene Verwicklung zu erkennen oder zu berücksichtigen. Eine Aussage vor dem Hintergrund viel größerer Dimension? Gesellschaftskritik? Ja, Ansätze sind dabei.

THEATER: Theatertreffen 2020

BRANDAKTUELL: Die 10er – Auswahl für das Theatertreffen 2020 in Berlin wurde gerade bekanntgegeben: HIER der link zur offiziellen Seite!!

Nominiert für eine Einladung zum 57. Theatertreffen sind:

– „Anatomie eines Suizids“ von Alice Birch 
Regie Katie Mitchell | Deutsches Schauspielhaus Hamburg

– „Chinchilla Arschloch, waswas. Nachrichten aus dem Zwischenhirn“ von Rimini Protokoll (Helgard Haug)
Konzept, Text und Regie Helgard Haug | Eine Produktion von Schauspiel Frankfurt, Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt) und Rimini Protokoll in Koproduktion mit Westdeutscher Rundfunk und HAU Hebbel am Ufer (Berlin)

– „Der Mensch erscheint im Holozän“ Ein Visual Poem nach Max Frisch
Regie Alexander Giesche | Schauspielhaus Zürich

– „Der Menschenfeind“ von Molière
Regie Anne Lenk | Deutsches Theater Berlin

– „Die Kränkungen der Menschheit“ 
Regie Anta Helena Recke | Eine Produktion von Anta Helena Recke mit den Münchner Kammerspielen in Koproduktion mit HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Kampnagel (Hamburg) und Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt)

– „Eine göttliche Komödie. Dante < > Pasolini“ von Federico Bellini
Regie Antonio Latella | Bayerisches Staatsschauspiel / Residenztheater, München (Intendanz Martin Kušej)

– „Hamlet“ von William Shakespeare 
mit Auszügen aus „Die Hamletmaschine“ von Heiner Müller
Regie Johan Simons | Schauspielhaus Bochum 

– „Süßer Vogel Jugend“ von Tennessee Williams
Regie Claudia Bauer| Schauspiel Leipzig

– „TANZ. Eine sylphidische Träumerei in Stunts“ 
Konzept, Performance und Choreografie Florentina Holzinger |  
Eine Produktion von Florentina Holzinger in Koproduktion mit Spirit und Tanzquartier Wien, SPRING Festival (Utrecht), Productiehuis Theater Rotterdam, Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt), Arsenic (Lausanne), Münchner Kammerspiele, Take Me Somewhere Festival (Glasgow), Beursschouwburg (Brüssel), deSingel (Antwerpen), SOPHIENSÆLE (Berlin), Frascati Producties (Amsterdam), Theater im Pumpenhaus (Münster), asphalt Festival (Düsseldorf)

– „The Vacuum Cleaner“ von Toshiki Okada 
Regie Toshiki Okada | Münchner Kammerspiele

THEATER: Christopher Rüping – Dionysos Stadt

Es kommt nicht oft vor, dass man sich im Theater ein Stück dreimal ansieht. Es kommt aber auch nicht oft vor, dass das Stück selbst dann fast 10 Stunden dauert. So ist es aber bei der Inszenierung „Dionysos Stadt“ von Christopher Rüping. Dreimal, jeweils fast 10 Stunden! Das dritte Mal habe ich es jetzt – es läuft in den Münchner Kammerspielen – mit Familie zwischen den Jahren gesehen.

HIER ein Trailer zur Inszenierung. Und HIER der link zur Stückeseite auf der Website der Münchner Kammerspiele.

Ich meine: Wenn man zum Einen irgendwie einen Bezug zu Antike finden will, sollte man es sich ansehen. Es geht andererseits natürlich nicht nur darum, etwas zu lernen, nein. Man kann eher sagen: Es ist einfach ein vollkommen gelungenes Theaterprojekt.

In vier völlig unterschiedlichen Darstellungsformen erlebt man wesentliches Geschehen der Antike. Mythologie und Familientragödie. Es kommt derzeit weiterhin monatlich an jeweils einem Wochenende, Samstags und Sonntags. Auch Anfang Januar wieder.

Über die Premiere hatte ich ja bereits berichtet. HIER mein damaliger Beitrag.

Es ist jedes Mal dasselbe: Keine einzelne Sekunde ist langweilig oder schleppt sich hin. Aufgebaut ist die Inszenierung wie auf den antiken dionysischen Feiern: Drei „ernsten“ Teilen folgt zum Abschluss ein vierter, „heiterer“ Teil. Jeder Teil ist eine völlig eigenständige Inszenierung, nichts wiederholt sich, nichts zieht sich.

Teil 1:

Die Entstehung der menschlichen Zivilisation. Prometheus, der Menschenfreund, schafft es, den Menschen im Streit mit Zeus das Feuer zu geben. Die Vorgeschichte, die im Stück garnicht vorkommt, sieht so aus: Zeus war ziemlich sauer. Prometheus wollte ihn austricksen. Und Zeus sagte sich dann: Feuer kriegen die Menschen nicht! Die Menschen lebten in Höhlen.

Aber Prometheus schnappte sich ein bisschen Glut und brachte sie – in einer Riesenfenchel – den Menschen. Und mit dem Feuer begann alles. Menschliche Zivilisation konnte sich entwickeln. Auch wenn Zeus – das war Teil der Inszenierung – immer wieder fragte: „Warum? Why? Sie werden Bomben bauen!“ Prometheus glaubte aber an die Menschen.

Kombiniert wird diese mythologische Geschichte der Entstehung der menschlichen Zivilisation dann mit einer der zahlreichen Liebesaffären von Zeus. Zeus liebte Io, allerdings bemerkte es Hera, die Ehefrau des Zeus, und griff immer wieder ein. Zeus verwandelt Io zunächst – nichts einfacher als das – in eine Kuh, um die Affäre zu vertuschen. Zuletzt musste Io aber in Gestalt dieser Kuh über das Meer fliehen. Daher das Ionische Meer und der Bosporus (bos heißt griechisch Rind). Denn Hera schickte ständig eine lästige und schmerzhafte Stechmücke, eine Rinderdassel, hinter ihr her.

HIER ein kleines Schaubild über die Zusammenhänge aus Teil 1. Gut sehen kann man alles nur, wenn man Word auf dem Gerät hat.

Teil 2:

Teil 2 der Inszenierung ist der zehnjährige Krieg um Troja, den die Götter kräftig mitbeeinflusst haben. Die Armada der griechischen Schiffe, die Kämpfe zwischen Hektor und Achill, die Troerinnen, die Eingriffe der Götter in die Kämpfe, die Zerstörung Trojas (siehe dazu das obige Beitragsbild). Begleitet war es von Schlagzeugeinsätzen von Matze Pröllochs. Andromache, die Frau des Trojaners Hector, musste am Ende ihr Kind, ein Säugling, Astyanax, den Griechen geben, die es dann von der Stadtmauer – oder einem Turm – herunterfallen ließen, damit kein Trojaner je Troja wieder aufbaut. Hat ja gewirkt.

Teil 3:

Agamemnon kommt nach den zehn Jahren des trojanischen Krieges zu Klytaimnestra zurück, seiner Frau, und die Familientragödien beginnen. Ich kann dazu nicht alle Einzelheiten erzählen. Die – von den Göttern erstmals weitestgehend unbeeinflusste – Familientragödie um Orest und Elektra ist es, die „Orestie“. Orest und Elektra, die beiden Kinder des Agamemnon.

HIER ein Schaubild über die Zusammenhänge aus Teil 2 und Teil 3. Auch hier gilt: Gut sehen kann man auf diesem Schaubild alles nur, wenn man Word auf dem Gerät hat. Das Schaubild sieht schon etwas komplizierter aus, man sollte sich ein bisschen auskennen. Ich habe es in ähnlicher Form einmal beim Lesen des absolut empfehlenswerten Romans „Kassandra“ von Christa Wolf entworfen.

Teil 4:

Fußball und Zinedine Zidane. Ein lockerer Ausklang, in dem man immer wieder Momente findet, in denen etwas Göttliches in der Luft zu liegen scheint. Wenn etwa einzelne SchauspielerInnen plötzlich einfach stehen bleiben und in den Himmel schauen. Oder wenn es um Zinedine Zidane geht.

Nun, dass es mir auch beim dritten Mal sehr gefallen hat, brauche ich wahrscheinlich nicht zu sagen.

Ich wünsche allen Lesern ein gutes neues Jahr!

THEATER: Thom Luz – Leonce und Lena (nach Georg Büchner)

Es ist höchste Toleranz gefragt und dann ist es einfach schön! Höchste Toleranz! Genau das zeichnet für mich Theaterbesuche aus. Tolerant sein, offen sein, nicht etwas Bestimmtes erwarten, nicht alles an herkömmlichen Maßstäben messen.

So funktioniert auch Thom Luz. Thom Luz bietet jetzt am Münchner Residenztheater mit „Leonce und Lena“ einen Abend, an dem wieder genau diese Toleranz und Offenheit hilft. Am Sonntag gab es die Münchner Premiere des Stückes, das zuvor schon unter Andreas Beck am Theater Basel lief. HIER ein kurzes Video dazu.

Man mag gerade bei einem Titel wie „Leonce und Lena“ von Georg Büchner eine klassische Inszenierung erwarten. Noch dazu auf der großen Bühne des Residenztheaters. Doch genau das gibt es an diesem Abend nicht. Andreas Beck hat sich damit eindeutig – und durchaus mutig! – dafür entschieden, die Münchner zu überraschen. Thom Luz auf der großen Bühne! Und ich finde, genau das tut gut, jedem Theatergänger tut es hoffentlich gut, grenzenlos offen zu sein. So sollte man auch zu dieser Aufführung gehen.

Es wird natürlich auch Theaterfreunde geben, die nur (oder vorwiegend) klassische Inszenierungen gut finden. Es mögen solche Zuschauer gewesen sein, die nach der Vorstellung dem Beifall Buhrufe beistreuten. Auch das hat natürlich seine Berechtigung. Aber es gibt doch keinen Grund, bei einem Theaterbesuch weniger offen zu sein, als beim gewollten Anblick eines Kunstwerkes.

Thom Luz jedenfalls wählt immer schon sehr eigenwillige Themen, sehr eigenwillige, poetische Gestaltungen. Auch seine Inszenierung „Olympiapark in the Dark“, die ja derzeit im Marstall zu sehen ist, ist entsprechend eigenwillig. Eine eher akustische Annäherung an München. Seine bisherigen Stücke waren allesamt eigenwillig, haben immer etwas Poetisches, keinen Handlungsstrang. Ich kenne „Traurige Zauberer“, „Girl From the Fog Machine Factory“, „Olympiapark in the Dark“ und jetzt „Leonce und Lena“. Er hat sehr viel mehr gemacht, zuletzt in Basel „Radio Requiem“. HIER ein Überblick seiner Produktionen.

Maurice Maeterlink wird im Programmheft so schön zitiert, wenn er mit seinen Augen über das Theater schreibt:

„Eine Hand, die nicht uns gehört, klopft … manchmal an die geheimen Pforten des Instinkts – oft könnte man beinahe sagen, des Schicksals, so groß ist die Ähnlichkeit. – Man kann sie nicht öffnen, doch sollte man aufmerksam zuhören.“

Es hätte auch Thom Luz sagen können.

Und gerade mit dieser Toleranz ausgestattet kann man wunderbare Dinge auch an „Leonce und Lena“ – diesem inhaltlich ja sehr überschaubaren Drama von Georg Büchner – entdecken. Mit dieser Toleranz fallen Details auf: Allein die Bewegungen der SchauspielerInnen! Immer wieder auch ihre die Positionierungen auf der Bühne. Die Verschiebung der SchauspielerInnen, das Bühnengeschehen! Besonders Lisa Stiegler in der Rolle der Lena! Es fällt fast deutlich auf: Sie scheint sich vollkommen wohl gefühlt zu haben in dieser Inszenierung und spielte wunderbar! Oder die Sequenz, in der minutenlang in völliger Dunkelheit gespielt, geredet wird (auch die an sich immer grün leuchtenden Notausgangsschilder im Zuschauerraum werden in dieser Zeit verdeckt). Die totale Reduktion auf den Text, auf das gesprochene Wort. Die Dunkelheit zeigte: Auf den Inhalt der „Geschichte“ von Leonce und Lena kommt es hier nicht an. Schon der leichte Nebel, der vor Beginn der Aufführung durch das ganze Theater zog, deutete eher an: Es kommt ein Abend von Thom Luz!

Zur „Geschichte“ von Leonce und Lena:

Sie ist, so Thom Luz, „scheinbar schnell erzählt: Ein Prinz und eine Prinzessin aus benachbarten Königreichen flüchten vor einer arrangierten Ehe, verlieben sich inkognito ineinander und versuchen, mit einer List ihren Lebensweg selbst zu bestimmen – nur um am Schluss festzustellen, dass sie ihrem vorbestimmten Schicksal in die Arme geflüchtet sind.“

Vor dem Hintergrund dieser „Geschichte“ geht es Georg Büchner aber wohl eher um verschiedene Weltsichten. Liebe und Tod, Melancholie und Sehnsucht, das Ich und die Gesellschaft. Es sind auch im „Originaltext“ fast nur Betrachtungen.

Thom Luz greift für seine wieder poetische (und natürlich nicht klar verständliche) Inszenierung dementsprechend verschiedene Einzelkomponenten des „Romans“ auf. Und dem folgend enthält das Programmheft ein alphabetisch geordnetes kleines Kaleidoskop der prägenden Begriffe des Stückes. Von Automat bis Zitate. Und dazu – auf der Bühne – Bewegungen und Musik.

Auffallend ist im Übrigen auch, so mein Eindruck, dass die Textpassagen des Romans, die gesprochen werden, mitunter in dieser Thom’schen Szenerie eine andere Bedeutung erhalten, als im Originaltext. Sie tauchen aus einer Versenkung auf.

Das Bühnenbild ist, wie von Tom Lutz gerne gestaltet, ein nicht näher definierbarer Raum. Es könnte eine Werkstatt sein, man sieht eben Gegenstände herumstehen, die zum Einsatz kommen. Gut, es gab auch Szenen, die etwas albern, vordergründiger waren. Die Violine unter der Schuhputzmaschine etwa. Trotzdem! All das hat bei Thom Luz gerne Wirkung und Bedeutung, hier mit Bezug zu „Leonce und Lena“. Es geht ja bei Leonce und Lena auch um Automaten.

Also: Hingehen, offen sein, hinsehen und hinhören!

HIER ein Gespräch mit Thom Luz über die Inszenierung, Auf Französich allerdings.

Und HIER der Link zur Stückeseite auf der Website des Residenztheaters.

Copyright des Beitragsbildes: Sandra Then

THEATER: Ewald Palmetshofer – Vor Sonnenaufgang (nach Gerhart Hauptmann)

Gerhart Hauptmanns „Vor Sonnenaufgang“ in der Fassung von Ewald Palmetshofer wird derzeit nicht nur am Münchner Residenztheater gebracht. Es wird auch am Theater Bonn (HIER ein Video) gebracht und ist – noch – am Theater Rudolstadt zu sehen (HIER auch ein Video). Zuletzt wurde es außerdem am Theater Regensburg gezeigt (HIER noch ein Video) und am Schauspiel Frankfurt (auch HIER ein Video). Und HIER das Video des Münchner Residenztheaters.

Die jeweiligen Inszenierungen dieser Fassung sind natürlich – siehe die Videos – sehr unterschiedlich! Die aktuelle Fassung am Münchner Residenztheater – eine Übernahme vom Theater Basel – ist von der jetzigen Hausregisseurin am Münchner Residenztheater, Nora Schlocker, inszeniert.

Nora Schlocker lässt auf der Bühne gerne Schlichtheit walten. So geht sie auch an ihre Inszenierung von „Vor Sonnenaufgang“ am Residenztheater heran. Und so hat sie kürzlich „Die Verlorenen“ inszeniert, derzeit auch am Münchner Residenztheater zu sehen. Auch das ein Stück von Ewald Palmetshofer. Mein Beitrag dazu ist HIER. Sie gibt damit Platz für Inhalt, Text und Schauspieler.

Alles spielt sich schlicht vor einer kahlen Wand (in schönen Farben, vor allem zu Beginn!) ab, ein – zwei Türen (das sind die Szenen IM Haus), und ab und an vor einer zusätzlich davor herabgelassenen Wand mit Vorhang und Zugang ins Haus (das sind die Szenen VOR dem Haus).

Ewald Palmetshofer und Nora Schlocker kommt es sehr auf den Text an. Palmetshofers Textfassungen haben sprachliche Besonderheiten. Die Texte zeichnen sich dadurch aus, dass es selten Sätze sind, oft nur Bemerkungen, Wörter, Sätze werden nicht zu Ende gesprochen, Worte werden gesagt. Von „Wortmusikalität“ habe ich gelesen. Von 2012 bis 2015 unterrichtete er am Institut für Sprachkunst der Universität für angewandte Kunst Wien. Das ist interessant, statt umständlichen Formulierungen folgt man schnellen Worten, Assoziationen in seinen Texten. Man merkt oft nicht, dass es keine abgeschlossenen Sätze sind, man hat schon verstanden., Andeutungen genügen.

So auch in der Fassung von „Vor Sonnenaufgang“ am Münchner Residenztheater. In der Tat wird dem Text durch die Inszenierung viel Raum gegeben. Gerade dem Text. An den Stellen, an denen fast monologartig gesprochen wird, wird es deutlich. Thiemo Sturzenberger etwa als der Arzt Dr. Peter Schimmelpfennig (er besucht die hochschwangere Martha) bekam nach seinem Monolog Szenenapplaus.

Auch das Schauspielerische hat viel Platz, der Zuschauer wird nicht abgelenkt. Die Schauspieler hätten vielleicht sogar noch mehr aus sich heraus gehen können, das mag ich. Vor allem die beiden zentralen Figuren, gespielt von Michael Waechter und Simon Zagermann, spielen fast betont zurückhaltend. Aber gut, der Text!

Worum es in Gerhart Hauptmanns „Vor Sonnenaufgang“ geht:

Ein Tag, eine Nacht. Der Journalist Alfred Loth (Simon Zagermann) kommt überraschend aufs Land zu seinem wohlhabend verheirateten ehemaligen alten Freund Thomas Hoffmann (Michael Wächter). Alfred Loth will – sagt er irgendwann – feststellen, warum „wir alle immer weiter auseinander driften“. Er greift Thomas Hoffmann aber auch an. Loth der Idealist, Hoffmann der Materialist – der sich plötzlich politisch engagiert. Loth sieht es so, dass Hoffmann die Fleißstory erzählt. Der übersieht, dass andere ihm alles ermöglicht haben. Hoffmann sagt, er muss es so erzählen, damit es die anderen verstehen. Es geht um eine gewisse Verlogenheit Hoffmann´s. Der Konflikt zwischen Hoffmann und Loth bahnt sich etwas langatmig an, hätte im Text noch mehr Platz bekommen können.

Drum herum erlebt man weiteres Geschehen, das ich hier nicht ausufernd schildere. Es „füllt“ das Stück eher. Die schwangere Martha, Thomas Hoffmanns Frau; die alleinstehende Helene, Marthas Schwester; kurze erotische Übergriffe und Zuneigungen; Egon, der trinkende Vater der beiden Frauen; Annemarie, die resolute zweite Frau des Vaters; Dr. Schimmelpfewnnig, der Arzt für Helene. Palmetshofers Text gibt – auf diese Personen gestützt – immer wieder interessante Ansätze her, andeutungsweise. Im Zentrum der große Konflikt Hoffmann – Loth, siehe das Beitragsbild. Gerade dieser große Konflikt hätte im Text – finde ich – durchaus noch mehr Raum verdient. Es zieht ja in unseren Zeiten ohnehin so Vieles so schnell an uns vorbei.

HIER der Link zur Stückeseite auf der Website des Residenztheaters.

Copyright des Beitragsbildes: Sandra Then

THEATER: Lot Vekemans – Schwester von

Ismene! Wie verhält man sich eigentlich, wenn um einen herum das totale Desaster der Zerstörung stattfindet? Es ist ja wie im heutigen Leben und wie es schon immer war: Der Mensch ist einfach nicht fähig, das globale Desaster zu verhindern. Wir steuern darauf zu. Als hätte es der Mensch in den Genen, er kann nur zerstörerische Lösungen entwickeln.

In der Antike gab es ähnliche Konstellationen: Ismene! Mit einem Unterschied zu heute: Damals hat man solche „Desasterkonstellationen“ einzelnen Helden oder Göttern zugeschrieben, nicht gleich allen Menschen, nicht der ganzen Menschheit. Aber über das Götterdenken und Heldendenken sind wir nun einmal hinweg.

Aber auch damals war bei alledem die Frage angebracht: Wie verhält man sich eigentlich, wenn um einen herum das totale Desaster der Zerstörung stattfindet?

Dazu das Stück „Schwester von“, das ich jetzt im Metropoltheater in München/Freimann gesehen habe. Ismene! Wie hat Ismene alles erlebt? Um sie herum fand dass totale Desaster statt:

  • Erste Stufe: Ismenes Vater, Ödipus, brachte unwissend seinen eigenen Vater um und heiratete seine eigene Mutter, Iokaste.
  • Nächste Stufe: Ödipus sticht sich daraufhin die Augen aus und Iokaste erhängt sich, als es Ödipus offenbart wurde.
  • Nächste Stufe: Die beiden Brüder von Ismene, Eteokles und Polyneikes, die Söhne des Ödipus, kämpfen um die Nachfolge der Herrschaft über Theben. Sie sterben beide.
  • Weitere Stufe: Ismenes Schwester, Antigone, erhängt sich, weil sie ihren Bruder Polyneikes beerdigt hat und dafür bestraft wird.
  • Und und und.

Das alles erzählt Ismene im Stück „Schwester von“ von Lot Vekemans. Lot Vekemans beschäftgt sich gerne mit einer einzigen antiken Figur. So läuft seit Jahren an den Münchner Kammerspielen eine Inszenierung ihres Textes „Judas“, inszeniert von Johan Simons. HIER der Link zur Stückeseite. Es läuft Mitte Januar 2020 wieder an den Kammerspielen.

Was macht Ismene? Sie wundert sich, freut sich, Beachtung zu finden und blickt zurück auf das, was geschah. Ismene trat immerhin tausende von Jahren im Grunde nicht in Erscheinung, hat aber alles mit angesehen.

Es ist eine Inszenierung von Domagoj Maslov. Gespielt wird nicht auf der Bühne des Monopoltheaters, sondern Ismenes Monolog wird in einem Eck des Cafés des Theaters gebracht. Ein Monolog. Meine Eindrücke dazu:

  • Ismenes Verhalten: Ismene erzählt in dieser Inszenierung alles so, als würde sie selber am Rande des Wahnsinns stehen. Jetzt, im Blick zurück. So wird sie von Sophie Rogall gespielt. Sicher eine Entscheidung der Regie. Gut: Ismene zeichnete sich trotzdem dadurch aus, dass sie immer gegenüber allen Übeln oder Morden oder gegenüber dem eigenen Tod als Lösung standhaft blieb. Auch Rache war nicht ihr Ding, hat sie immer abgelehnt. Sie stand auf Versöhnung. Insoweit schien mir Ismene etwas zu wahnsinnig in dieser Inszenierung. Etwas zu durchgängig wahnsinnig war mir Ismene. Ismene erzählte in dieser Inszenierung nichts zart oder sanft oder einfühlsam, nicht zweifelnd, sondern eben eher fast wahnsinnig. Aber gut, bei dem Desaster um sie herum!
  • Die Nähe: Man war Sophie Rogall als Ismene sehr nahe, wenige Meter von einem entfernt spielte sie – im Jugendstilambiente des Cafés des Metropoltheaters. Das ist besonders und verstärkt die Eindrücke. Und wird auch für Sophie Rogall nicht einfach gewesen sein. Aber genau das war ein schönes Erlebnis! Und man sah nicht Sophie Rogall, man sah Ismene, das machte Spaß und ist sicher etwas, was das Metropoltheater auszeichnet. Die Nähe, auch auf der großen Bühne wohl.
  • „Mensch und Tier„: Am Anfang und am Ende spricht Ismene von Hunden. Ist das – so war mein Eindruck – ein Gedanke des Stückes von Lot Vekemans? Hunde – Tiere insgesamt – haben nicht die menschliche Gefühlswelt. Essen, schlafen und satt sein, das genügt den Tieren. Aber genau das gilt für den Menschen eben nicht. Deswegen zerstört der Mensch alles, weil er immer nach etwas strebt, immer, und dieses Streben immer ins Desaster führt.

HIER der link zur Stückeseite auf der Website des Metropoltheaters.

Copyright des Beitragsbildes: Metropoltheater