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THEATER: Residenztheater – Cuvilléstheater – Marstall

Teil drei meines Residenztheater-Dreierpacks: Bertolt Brechts Dreigroschenoper am Residenztheater.

Wenn man die Dreigroschenoper von Bertolt Brecht sehen will, sieht man sie, die Dreigroschenoper. Jetzt am Residenztheater. Da gibt es keine Fortschreibung, keine Neubearbeitung des Textes, keinen aktuellen Bezug, kein „frei nach .. “. Das ist in diesem Fall schon rechtlich ausgeschlossen, aber im Grunde auch nicht möglich.

Man sieht die berühmte Schurkenoper oder Bettleroper von Bertolt Brecht. Man muss sie einmal gesehen haben, diese Geschichte der Unterwelt aus Brechts Augen. Dargeboten wird sie natürlich mit Livemusik, mit den mehr oder weniger bekannten Liedern dazu, es ist eine Art Operette, eben das Brecht’sche „Musiktheater“. Wobei Bertolt Brecht selbst sagte, es hieße „Dreigroschenoper“ nicht etwa, weil es ÜBER Bettler gehe, sondern weil es eine Oper FÜR Bettler sei.

Aber es geht ja in der Tat um Bettler, es spielt in der Gaunerwelt/Bettlerwelt von London/Soho. Der Herr über ein Netzwerk von Bettlern, Jonathan Peachum, der sich eher als gerissener Unternehmer sieht, um Geld von denen zu bekommen, die es haben, geht gegen den gerissensten Schurken Londons, Macheath, genannt Mackie Messer, vor, da Letzterer die Tochter der Peachums (Polly) geheiratet hat. Mackie Messer wiederum ist aber sogar mit dem Polizeichef Brown befreundet.

Die Inszenierung am Residenztheater:

Es ist eine durchaus beeindruckende Inszenierung, ja, sie verschafft den Eindruck der dortigen Welt. Dreieinhalb Stunden dauert sie, in denen man gerne einem Musiktheater zusieht, das nicht zum aktuellen Nachdenken anregt, nein, keinen aktuellen sozialen Sprengstoff beinhaltet oder auch nur streifen würde, nein, es ist einfach ein Klassiker. Immer wieder einmal humorvoll gespielt, insgesamt nicht trüb, sondern eher leicht, hier am Residenztheater vor allem mit einem Bühnenbild, das einen sofort in die Gaunerwelt führt.

Schauspielerisch ist es von allen Mitwirkenden sehr gelungen! Lukas Rüppel beginnt mit herrlicher Gelassenheit, humorvoll als Bänkelsänger (später auch mehrfach etwa als Mond), mit Ironie auf den Lippen, der ein wenig durch den Abend führt, Moritz Treuenfels als lässiger und hintertriebener Mackie Messer, der besorgte Oliver Stokowski als Jonathan Jeremiah Peachum, Cathrin Störmer als Celia Peachum, seine eher ordentliche Frau, Isabell Antonia Höckel einnehmend als Polly Peachum, Tochter der Peachums, Max Rothbart als drahtiger Brown, oberster Polizeichef von London, Liliane Amuat als Lucy, dessen Tochter, Vassilissa Reznikoff mit sehr viel „Brechtausdruck“ auf der Bühne als Spelunken-Jenny – um die wesentlichsten Figuren zu nennen. Der ansich so heruntergekommene „Brechtausdruck“ des Milieus der Dreigroschenoper weicht trotz allem fast irgendwie ein klein wenig, nur ein klein wenig zurück, obwohl das Bühnenbild so gut das Milieu repräsentiert. Denn das über den ganzen Abend unveränderte Bühnenbild passt von A – Z zum Milieu und zur Geschichte. Vielleicht ist nur die eine oder andere Figur fast zu makellos.

Das Bühnenbild (Inszenierung und Bühne Philipp Stölzl) besteht aus einer hohen Wand von braunen Teekisten, vielleicht auch Obst- oder Gemüsekisten, die erklettert werden, auf mehreren Ebenen schmale Spielebenen schaffen, über allem – auf dritter Ebene – spielt das „Orchester“. Auch der Orchestergraben wird in gewisser Weise zur Spielebene. Viele Ebenen sind es somit, es geht hoch und runter – sozial gedacht: Eben ein Bertolt Brecht.

Ich kann hier aus Zeitgründen leider nicht weiter auf die Brecht’sche Gedankenwelt zu seiner Dreigroschenoper eingehen. Das Programmheft und die Website führen weiter. Es ist eine „old story“, trotzdem: Hingehen, ansehen, es ist eine gelungen runde Sache, die man nicht schnell „abhakt“.

Fotos:

Copyright der Fotos: Sandra Then

HIER der Link zur Stückeseite auf der Website des Münchner Residenztheaters.

THEATER: Residenztheater – Cuvilléstheater – Marstall

Teil 2. „Bye Bye Lolita“ von Lea Ruckpaul im Cuvilléstheater

Dreifach Residenztheater und Co. Hier Teil zwei. Ich hatte diesmal auf http://www.nachtkritik.de die Kritik gelesen, bevor ich hier nun schreibe. Es geht um „Bye Bye Lolita“ am Cuvilléstheater. Hier ist der Link zur nachtkritik-Besprechung.

„Bye Bye Lolita“ und der gleichnamige Roman von Lea Ruckpaul basieren ja auf dem Welterfolg „Lolita“ des russisch-amerikanischen Autors Vladimir Nabokov. Es geht dort bekanntlich um die pädophile Beziehung des Erzählers Humbert Humbert zur anfänglich zwölfjährigen Dolores Haze, die er Lolita nennt. Wegen Lolita heiratet er ihre Mutter und kommt Lolita näher, entführt sie. Nabokovs Roman ist vollständig aus der Sicht von Humbert Humbert geschrieben. Dem setzt Lea Ruckpaul in ihrem Roman „Bye Bye Lolita“ nun ihre Version entgegen, in der sich eine fiktiv älter gewordene Lolita mit ihren Erinnerungen an das damalige Geschehen und mit dessen Verarbeitung auseinandersetzt.

Ich kommentiere hier also die Inszenierung von „Bye Bye Lolita“ von Nora Schlocker, Bühnenbild und Kostüme sind dabei von Marie Caroline Rössle. Ich kann mit der Kritk und den Kommentaren zu „Bye Bye Lolita“, die ich auf http://www.nachtkritik.de gelesen habe, gut zurecht kommen. Die Inszenierung wird – wenn auch mit kontroversen Nebentönen – gelobt und als guter Beitrag zur Auseinandersetzung mit dem Thema Kindesmissbrauch gesehen.

Ja, das Thema Kindesmissbrauch bleibt auch heute unbedingt beachtenswert! Vielleicht hat das Problem sogar zugenommen, Stichwort „Netzwerke im Internet“ usw. Insoweit ist es in der Tat wertvoll, sich hier nun zu fragen, wie Dolores Haze alias Lolita vielleicht ihre Erlebnisse mit ihren Augen gesehen haben mag und wie sie sie im weiteren Verlauf ihres (hier unterstellten) weiteren Lebens vielleicht zu verarbeiten vermochte. Wie gesagt: Die Inszenierung wird meist als wertvoll angesehen, um sich diesem fürchterlichen immer wieder aktuellen Thema zu nähern.

Einige Dinge der Inszenierung am Cuvilléstheater sehe ich allerdings doch anders, als es bisher zumeist auf http://www.nachtkritik gesehen wird. Man kann aber gleich sagen: Das Thema selbst provoziert Subjektivität, der Umgang mit Kindesmissbrauch ist einerseits (hoffentlich) klar, andererseits aber ist es in der Darstellung im Theater natürlich ein schwieriges Unterfangen.

Dass man hier dem Geschehen um Lolita fast wie einem niedlichen Puppenspiel zusieht, liegt zunächst an der Bühnengestaltung und der Kostümierung. Kindesmissbrauch ist kein Puppenspiel, es soll hier natürlich auch nicht etwa so gezeigt werden, es ging aber leider fast ein wenig – mir zu sehr – in diese Richtung. „Haarscharf“ am Kitsch vorbei, schreibt der Münchner Merkur. Vielleicht geschieht dies aber gerade absichtlich, um Lolitas kindliche Lebenswelt zu verdeutlichen. Alles rosa, mit roten Herzen …

Zur Kostümierung: Hier war für mich fast störend, dass (die fünffach erscheinende) Lolita stereotyp mit strohblonder, etwas eigenartiger Perücke gezeigt wird. Ebenso die übergroßen hellrosafarbenen Sweatshirts, in denen „die Lolitas“ durchgehend gezeigt werden, wirkten für mich zu klischeehaft. Klar, auch das repräsentiert Lolitas junges Alter, 12 Jahre alt war sie! Trotzdem war es für mich auch hier insoweit zu direkt, zu sehr „mit dem Hammer drauf“.

Zur Bühnengestaltung: Auch der flauschige Teppichboden – rot – der leicht nach hinten ansteigenden Bühne verlieh dem Ganzen einen für mich zu direkten Eindruck. Auch so wurde meines Erachtens unnötig auf Lolitas Kindesalter hingewiesen. Es sollte wohl so sein, etwa auch der übergroße rote Lollie, den Lolita einmal lutscht.

Man könnte sich sogar fragen: Passt dieses Stück überhaupt ins Cuvilléstheater? Das Cuvilléstheater ist ja selber wiederum fast ein Puppentheater, jedenfalls ein Schmuckkästchen. Wie kann man dem schweren Thema Kindesmissbrauch in dieser extrem reichhaltigen und vor Schmuck überbordenden Atmosphäre nahekommen? Aber auch das soll wohl so sein. Man kann es auch verstehen, Lolita lebte – missbrauchte Kinder tun es – in einer Kinderwelt, nicht in einer Erwachsenenwelt! Das ist es ja, was oftmals ausgenutzt wird, und dann wird drumherum eine Scheinwelt aufgebaut. Insoweit ist alles sehr verständlich! Und so ist es auch verständlich, dass sogar eine Gruppe von jungen Mädchen auftritt und singt bzw. erzählt, wenn auch das schnell etwas zu klischeehaft wirken kann.

Über diese Äußerlichkeiten hinweg hatte ich allerdings teils auch Störgefühle mit Textaussagen. Lea Ruckpaul lässt Lolita in ihrem Roman „Bye Bye Lolita“ zurückdenken und auch mit einer Freundin und ihrer Mutter fiktiv darüber reden. Interessante Blicke von Lolita sind es, ihre Wut, ihre heftigen Vorwürfe gegen ihre Mutter, ihr Schmerz und und und. Ja, Lolitas Mutter rückt in den Focus. Dann aber wird es teils doch etwas vage. So auch am Ende:

„Ich bin porös, durch mich pfeift der Wind und da ist kein Unterschied zwischen dem Sand, dem Handtuch und meinem Fleisch. Ich bin sehr glücklich. Ich bin zu allem fähig. Auch zum Glück.“

Fazit: Wie auch immer, die Inszenierung „Bye Bye Lolita“ gibt Gelegenheit, sich mit dem fürchterlichen Thema Kindesmissbrauch auseinanderzusetzen. Wenn die Inszenierung einiges recht klischeehaft zeigt, mag genau das bezweckt sein: Gerade das kann zum Nachdenken anregen!

Hier noch ein Foto:

Copyright der Bilder: Birgit Hupfeld

THEATER: Residenztheater – Cuvilléstheater – Marstall

Ein „Dreierpack“ hat mich an diesem Wochenende an die drei Bühnen des Münchner Residenztheaters geführt: “Reigen.Variationen” im Marstall, “Bye Bye Lolita” im Cuvillestheater und “Dreigroschenoper” im Residenztheater. Drei Vorstellungen nach den ersten drei Premieren der neuen Spielzeit 2026/2027.

Ich berichte über die drei Stücke in Einzelbeiträgen:

Teil 1: „Reigen.Variationen“ frei nach Arthur Schnitzler im Marstall:

Ich muss gestehen, den „Reigen“ von Arthur Schnitzler habe ich noch nie gesehen. Es heißt ja, das Stück war einer der größten Theaterskandale des 20. Jahrhunderts, erschien 1900. Viele Jahre lang war es verboten, erst 1982 wurde es freigegeben – heute inhaltlich völlig unvorstellbar. Zehnmal treffen einzelne Personen auf ein gegengeschlechtliches Gegenüber; sie führen zehn Dialoge und jedes Mal kommt es zum Geschlechtsverkehr, der jedoch im Text durch Gedankenstriche angedeutet wird und auf der Bühne eine Leerstelle bleibt. Als Strukturprinzip verwendet Schnitzler die Tanzform des Reigens, indem eine Figur immer zwei Szenen hintereinander hat. Damit hat jede Figur zwei Sexualpartner.

Interessant ist die jetzige Fassung „Reigen.Variationen“ im Marstall schon deswegen, weil die Szenerie in die heutige Zeit verlegt ist. Ort: Laut Text der Englische Garten, die Bühne bleibt aber neutral. Der Text ist von Anja Hilling, Regie führte der junge Israeli Ran Chai Bar-Zvi.

Interessant ist ja grundsätzlich das Konzept von 10 verschiedenen Dialogen von zufällig zusammentreffenden Personen. Wie verhalten Sie sich zum Thema Liebe, Kennenlernen, Begierde, Sexuelles, Nähe, auch gesellschaftliche „Rangordnung“, jede Person hat ja einen anderen Background.

Weiter interessant ist das Bühnenbild von Ansgar Prüwer, der schon öfters mit Ran Chai Bar-Zvi zusammenarbeitete. Die Personen stehen schemenhaft erkennbar zwischen drei Schichten Plastikplanen, die die Bühne bis oben verdecken, nur dann, wenn sie agieren, treten sie vor die erste Plastikplane, sind dann klar erkennbar. So jedenfalls in der ersten Hälfte der Inszenierung, in der die zehn Einzeldialoge gezeigt werden. Wie auf Datingplattformen: Fotos sieht man nur schemenhaft, außer man begibt sich in den Kreis der Abonnenten. Oder generell: Jeder Mensch taucht ja in jedem Gespräch kurz aus seiner Verschleierung auf … Was kann man schon erkennen!

Es gibt bei Anja Hilling eine zweite Hälfte: die Plastikplanen verdecken dann nicht mehr die Sicht, die fünf Personen zeigen sich dauerhaft. Hier ergänzt Anja Hilling den Reigen, all die Gespräche werden fortgeführt, ergänzt, betreffen weitere Gedanken der Beteiligten. Nähe, Distanz, Realität, Wunsch, einiges mehr. Es sind Erklärungsversuche jeder Person, sie hadern ja alle mit der Unerreichbarkeit des anderen, auch mit der Liebe, dem Zusammensein, mit sich. Sie sagen immer, es seien ihre Gedanken während des Geschlechtsverkehrs gewesen! Da kamen ihre Befindlichkeiten hoch.

Aber so ist das eben mit dem Plastikplanen im Leben, die uns immer verschleiern, kurz erscheint man.

Es sind viele interessante Gedanken in der zweiten Hälfte, man kann leider kaum alle aufnehmen. Das schmälert den Abend aber kaum! Ich fand ihn gelungen, eine gute Inszenierung, gute Bühne, schauspielerisch zum Teil fast zu zurückhaltend, Florian Jahr erschien mir am ergriffensten von dem, was er sagte, Schnitzlers „Reigen“ war gut weitergedacht!

Copyright der Fotos: Sandra Then

THEATER: Rainer Werner Fassbinder – Satansbraten

Das Theater Perlach bringt auch dieses Jahr wieder eine Inszenierung: „Satansbraten“ von Rainer Werner Fassbinder. Für wenige Tage ist es derzeit in der MUCCA im „Kreativquartier“ am Leonrodplatz zu sehen. Weitere Aufführungen sind am 1., 2. und 3. Oktober 2026.

Im vergangenen Jahr war es das Stück „A Matz bist scho,“ angelehnt an Ödön von Horvaths „Kasimir und Karoline“. HIER mein damaliger Beitrag: https://qooz.de/2025/09/19/theater-oedoen-von-horvath-a-matz-bist-scho/

Auch dieses Jahr ist der Theaterabend ein Gewinn für den Theaterfreund, wieder ein schöner Abend außerhalb der so gediegenen Theaterwelt der Münchner Kammerspiele, des Residenztheaters, des Münchner Volkstheaters und anderer Theater.

Großartig bleibt ohnehin das Engagement aller Beteiligten, vor allem der Begründer des Theater Perlach, Ferdinand Leopolder und Andrea Funk.

Passend zu „Satansbraten“, diesem desolaten, sicher sehr persönlichen Stück von Rainer Werner Fassbinder ist auch hier wieder das Ambiente der MUCCA, eine nüchterne, recht heruntergekommene, große Halle, die mit Theaterbeleuchtung ausgestattet ist. Fast erfrischend einfach auch die Herangehensweise an diesem Abend: Die Zuschauer nehmen sich diesmal am Eingang ihre Stühle und platzieren sie dort, wo sie sitzen möchten, beidseitig entlang des als Bühne dienenden „Laufstegs“. Stühle auf Betonboden.

Der „Laufsteg“ (Bühne: Ferdinand Leopolder) zieht sich für etwa 10 m etwas erhöht durch die Halle, vorne und hinten wird er durch zwei ebenfalls erhöhte breitere kleine Spielflächen abgeschlossen. Auf beiden Seiten entlang des Laufstegs sitzt also das Publikum.

Die Inszenierung (Regie Andrea Funk) entspricht der Zerrissenheit des Protagonisten Walter Kranz, der als Schriftsteller in einer großen Schaffenskrise steckt, kein Geld hat, nichts produziert, keinen Vorschuss bekommt, sich für Stefan George hält. Geld, Liebe, die großen und die kleinen Leute, Mann und Frau, Hierarchien, darum dreht es sich ja bei Rainer Werner Fassbinder, so auch in diesem Stück. „Parade“ wird die Inszenierung genannt, ein fast vergessenes Wort. Die Szenen des „Satansbraten“ werden vom Ensemble auf der Bühne schlicht aneinandergereiht, was das Stück fast zu zerreißen droht, aber es geht ja um Zerrissenheit, so passt es!

Auch schauspielerische ist es von allen Beteiligten wirklich gelungen! Alle spielen schlicht überzeugend, man kann sagen professionell, sie mögen das Stück! Mehr davon! Es spielen: Lena Nathalie Halve, Elias Hammler, Charlotte Kahler, André Schwarz, Sophia Strasser, Katharina Elisabeth Süß, Christophe Zoller. Es musizieren dazu: Friederike Hujer, Jakob Lücking

Fazit: Es lohnt sich, es tut gut!

Hier der Link zur Website des Theater Perlach: https://www.theaterperlach.de

Copyright des Beitragsbildes: Beate Kellmann

MUSIK: Dido – White Flag

Ja, Entschuldigung, es geht hier ein bisschen Richtung Pop. Es ist aber ein schönes Lied, „White Flag“ von der britischen Sängerin/Songwriterin Dido. Dido ist ihr Spitzname, sie trägt eigentlich den schönen Namen Florian Cloud de Bounevialle Armstrong, geboren im schönen Stadteil Kensington in London.

Seit einigen Jahren hört man leider nichts mehr von ihr. 2003 war White Flage ein Nummer-eins-Hit u.a. in Deutschland, man kennt ihn gut. Der Song kann – Richtung Sommerhit – gerne einmal nebenher mitlaufen. Und wieder unglaublich finde ich, wie Dido vor dieser gewaltigen Menschenmasse steht. Wie sie sich fühlen musste!! Es war auf dem Life-8-Festival 2005.

Hier:

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Gelesen und geblättert

LITERATUR: Stephen Fry – Odyssee

„Die Odyssee“ von Christopher Nolan ist seit wenigen Tagen in den Kinos zu sehen. Ich bin mir nicht sicher, ob ich es mir ansehen möchte. Ich möchte die Geschichten der Odyssee nicht von bombastischen quasi-realen Hollywood-Kinobildern in cineastischer Topbesetzung überlagern lassen.

Der Sommerblockbuster „Die Odyssee“ von Nolan hat dementsprechend erstaunlich negative Kritiken, von einer „Leere“ etc. ist die Rede. HIER zum Beispiel:

https://www.artechock.de/film/text/kritik/o/odysse0.htm

Homers Erzählung der 10jährigen Irrfahrt des Griechen Odysseus nach dem Trojakrieg zurück nach Ithaka zu seiner Frau Penelope mit all seinen Abenteuern ist für mich auch keine verfilmbare Story, sondern ein Bildgemälde, dessen Sequenzen sich eher im Alltag eines Leopold Bloom in James Joyces‘ „Ulysses“ wiederfinden.

Stattdessen habe ich nun die Nacherzählung der Odyssee von Stephen Fry gelesen (Das reine Wunderwerk des „Ulysses“ von James Joyces‘ habe ich schon längst – mehrfach – gelesen). „Odyssee“ ist nur eines der vier Bücher, in denen sich Stephen Fry erzählerisch den prägenden Faktoren der antiken Welt widmet. Ich werde demnächst noch über die drei anderen seiner Bücher zur Antike schreiben, es sind neben „Odyssee“ die Erzählungen „Troja“, „Mythos“ und „Helden“. Da ich eben ein großer Fan der unfassbaren antiken Welt, der damaligen Menschen, Geschichten, Gedanken, der Philosophie dieser fernen Zeit bin.

Etwas verwundert war ich allerdings auf den ersten 115 Seiten (!) der „Odyssee“ von Stephen Fry. Bis dorthin geht es nämlich nicht – der Buchtitel zeigt es überhaupt nicht an – um die Odyssee, es geht um die anderen großen Geschehnisse, die aus der Zeit nach der Zerstörung Trojas erzählt werden. Gut, alles hängt zusammen. Es geht um die anderen bekannten „Rückkehren aus Troja“ nach Griechenland: Agamemnons Rückkehr vor allem! Der Grieche Agamemnon – der Bruder von Menelaos, dessen Frau Helena ja (so ging alles los) von dem Trojaner Paris geraubt wurde – kehrte nach Mykene zu seiner Frau Klytaimnestra zurück und wurde dort von dieser und ihrem neuen Freund Aigisthos getötet. Agamemnon hatte schließlich vor dem Trojakrieg die gemeinsame Tochter Iphigenie für guten Wind geopfert. Dann kommen deren beider Kinder Orestes und Elektra, und es geht weiter, sie rächen sich an Klytaimnestra. Und so weiter.

Auch von der – ungewollten – Fahrt des Trojaners Aeneas nach Karthago (Aeneas und Dido!) und später erst nach Latium/Italien wird berichtet. Genauso von Helenas und Menelaos Rückfahrt. Man erfährt also alles.

Ab Seite 116 („Auf Kalypsos Insel“) geht es dazwischen übrigens kurz doch um Odysseus, dann aber wieder um Agamemnons Geschichte bis hin zum Rückzug der Götter von dem System „Rache folgt auf Rache“, also bis hin zu Athenes Entscheidung.

Dann eigentlich – ab Seite 167 – erst geht es Stephen Fry um die Irrfahrten des Odysseus. Nachdem dieser nach sieben Jahren die Insel der Kalypso verlassen konnte, geht es bis hin zu Odysseus‘ Ankunft auf Ithaka und zu dem Moment, in dem Penelope erkennt, dass er Odysseus ist. Sohn Telemachos wusste es bereits.

Alles ist von Stephen Fry aber – trotz der „Titeltäuschung“ – durchgehend locker und gut lesbar geschrieben. Viele direkte Gespräche der Götter und Menschen! Sehr plastisch. Stephen Fry erzählt in moderner Sprache, schafft es aber durchgehend, „antik“ zu bleiben. Er macht nicht modernes Geschehen daraus. Das prägt seine Erzählung! Es ist schön und flüssig lesbar!

Man wird natürlich mit einer riesigen Menge an Namen der Beteiligten Götter, Halbgötter, Menschen und Orte konfrontiert, das umfassende Personenregister am Ende des Buches hilft! Interessant ist auch Stephen Frys Schlusstext, in dem er Gedanken zur Verbindung der antiken Geschichte zu unserer heutigen Welt anstellt.

Fazit: Lesenswert – Odyssee, Untertitel: Von Abenteuern, Irrfahrten und Heimkehr – vor allem unbedingt auch für Schüler auf humanistischen Gymnasien.

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Gesehen und gehört

BALLETT: Common Ground

Es ist ein – finde ich – wieder einmal faszinierender Ballettabend, bestehend aus drei Choreografien, die – das ist das Schöne – völlig unterschiedliche Gemütsregungen und Überlegungen erzeugen. Es sind ja auch drei Choreografien von drei Choreographen – mit drei unterschiedlichen Herangehensweisen.

Die drei Choreografien hatten ihre Uraufführung jeweils am weltweit renommierten, seit Jahren „nicht-klassisch“, anfangs fast „experimentell“ arbeitenden niederländischen NDT Nederlands Dans Theater! Das Bayerische Staatsballett bringt – Gott sei Dank – nicht zum ersten Mal Choreografien des NDT nach München. Eben auch hier wieder, natürlich mit den Tänzer:innen des Bayerischen Staatsballetts. Ich hatte schon mehrfach auf das NDT hingewiesen, da Choreografien der Compagnie des NDT manchmal – nicht oft – auch online gesehen werden können.

„Common Ground“ heißt der Abend, er kann am Bayerischen Staatsballett wieder im Oktober gesehen werden. Es ist ein „Muss“ für Freunde des „modernen“ Balletts, also des „vom klassischen Ballett entfernten“ Balletts mit eigener, freierer Bewegungssprache. (Vor allem gilt ja: Jugendliche zahlen auf allen Plätzen zehn Euro!)

Teil 1: CACTI

Der Zuschauer/die Zuschauerin sieht 27 Tänzer:innen auf der Bühne. Choreografie: Alexander Ekman. Meist bewegen sich die Tänzer:innen auf kleinen, quadratischen Podesten, die leicht unterschiedlich hoch sind. Mal bewegen sich alle identisch, mal jeder für sich. Im Hintergrund auf der Bühne ein Streichquartett. Man hört Texte, mal gesprochen, mal geflüstert. Man hört Geräusche von Schlägen der Tänzer:innen auf ihre eigenen Körper. Man folgt bei alledem weitgehend einem Gesamtbild, hat kaum Gelegenheit, die Einzelleistungen der Tänzer:innen zu würdigen. Dem Programmheft – ich empfehle es – kann man entnehmen: Es geht um Hierarchie, um Kritik an Choreografien, um Kunstfreiheit.

Ein Foto:

Teil 2: IMPASSE

Hier kann der Zuschauer/die Zuschauerin deutlicher einer kleinen Geschichte folgen. Choreografie: Johan Inger. Trompetenmusik von Ibrahim Maalouf. Ein Trio prägt das Geschehen. Ein Paar und ein Freund. Später kommt „city people“ und „exotic people“ hinzu. Alle haben ihre Wirkung auf das Paar. Die Bühne wird enger, der Vorhang bewegt sich. Tolle Einzelleistungen, denen man hier gut folgen kann/darf. Auch hier überschäumender Applaus mit begeisterten Rufen und Pfiffen.

Ein Foto:

Teil 3: BELLA FIGURA

Es ist das älteste Stück. Diese Choreografie hatte schon 1995 ihre Uraufführung, sie stammt von Jiri Kylián, der von 1978 an für 20 Jahre der künstlerische Leiter des NDT war und danach jahrelang weiterhin als viel ausgezeichneter Choreograf für das NDT arbeitete. Dieser Teil des Abends ist am ehesten eine Mischung aus klassischen Elementen und modernen Elementen, zu erwähnen ist die Lichtgestaltung, Kees Tjebees erstellt oder überprüft das besondere Lichtdesign – hier mit Barockelementen – weltweit für alle Choreografien von Jiri Kylián. Kyliáns Ballett ist „ein aktualisiertes Ballett, dass eine zeitgenössische Sensibilität anspricht, heißt es im Programmheft. Wieder begeisterter Applaus.

Ein Foto:

Man sollte es sich eigentlich nicht entgehen lassen!

Copyrights:

Titelbild: S. Gherciu

Bild Teil 1: Nicholas MacKay

Bild Teil 2: Nicholas MacKay

Bild Teil 3: S. Gherciu

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Gesehen und gehört

THEATER: Dietmar Jacobs/Moritz Netenjakob – Kalter weißer Mann

Elisa Bartelt spielt in „Kalter weißer Mann“ in der Komödie im Bayerischen Hof die Praktikantin eines Unternehmens für Unterwäsche, dessen Unternehmensleiter gestorben ist. Man verfolgt die Trauerfeier, auf der zwischen den Trauernden im Grunde alle „gender“- und „political correctness“-Themen unserer Zeit hochkommen, es „entzündet“ sich an einer Schleife am Trauerkranz und steigert sich zu einer humorvollen, schlagfertigen, klugen Komödie. Man lacht im Grunde auch über sich selbst.

Zufällig hatte ich Elisa Bartelt vor circa einem Jahr kurz nach einem Theaterabend vor den Kammerspielen gesprochen. Der Kontakt blieb. So kam ich zu diesem Stück an der Komödie im Bayerischen Hof. Sie vertritt an einigen der kommenden Termine die Schauspielerin Anna Drózd. Derzeit ist Elisa Bartelt noch in ihrer Schauspielausbildung an der Münchener Schauspielschule Zerboni (auch Anna Drózd war an der Zerboni), sie ist theaterbegeistert, will auf jeden Fall Schauspielerin werden. Erste Engagements – wie auch hier in „Kalter weißer Mann“ – hat sie bereits. Auch in „Wolf“, einem Stück des Münchner Residenztheaters, das schon recht lange an bayerischen Schulen gezeigt wird, spielt sie mit. An eine staatliche oder städtische Schauspielschule möchte sie auch noch.

Zu „Kalter weißer Mann“:

Die „Komödie im Bayerischen Hof“ kannte ich noch nicht. Sie ist größer als gedacht, circa 500 Zuschauer werden hineinpassen! Wie bei E-Musik und U- Musik gibt es auch E-Theater und U-Theater, E steht für für Ernst und U für Unterhaltung. Die „Komödie im Bayerischen Hof“ steht auf jeden Fall für U. Auch mit „Kalter weißer Mann“ tut sie das, obwohl damit durchaus ein großes gesellschaftliches Thema verhandelt wird, „political correctness“ rauf und runter, humorvoll auf die Spitze getrieben, aber auch irgendwie ja ernst.

Auffallend war hierbei die gute Zusammensetzung der Schauspielerinnen und Schauspieler des Stückes. Alle waren jeweils so schön unterschiedlich, so gut passend und überzeugend zu dem, was sie jeweils spielten – im Ambiente eines Kirchenraumes, unter einem großen Kreuz. Ja, die schöne Unterschiedlichkeit der Personen macht das Stück aus! Der (alles nicht verstehende) Unternehmensnachfolger, die Sekretärin des Verstorbenen (mit ständig komischen Einwürfen), dazu ein schnell aufgedrehter Mitarbeiter als Social-Media-Freak, der die Kommentare im Internet zur Trauerschleife verfolgt, eine weitere (für die Themen „gendern“, „p.c.“, „lgtbqai+“ und und und besonders aufmerksame) Mitarbeiterin, dann der Pfarrer und eben die Praktikantin (mit ihrem jungen Blick auf alles). Elisa Bartelt passte ideal in diese Besetzung, sie bevorzugt ohnehin nicht die „beschwerten“, tragischen, ernsten Theaterrollen – derzeit zumindest.

Fazit: Es war zwar nicht meinen E-Gewohnheiten im Theater entsprechend, aber es war auch gut! Humor tut doch auch zu ernsthaften Themen gut!

Hier ist der Link zur Stückeseite von „Kalter weißer Mann“ auf der Website der Komödie im Bayerischen Hof: https://www.komoedie-muenchen.de/spielplan-tickets/5368/kalter-weißer-mann.html

Hier noch ein Trailer:


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THEATER: Mein kleines Prachttier

Mein kleines Prachttier Münchner Kammerspiele Juni 2026 nach dem Roman von Lucas Rijneveld Aus dem Niederländischen von Helga van Beuningen Regie: Leonie Böhm Bühne: Zahava Rodrigo Kostüm: Belle Santos Dramaturgie: Theresa Schlesinger Mit: Leonie Böhm, Annette Paulmann, Maren Solty Künstlerische Produktionsleitung: Zora Luhnau Technische Produktionsleitung: Valentin Lang, Adrian Bette Ton: Korbinian Wegler, Paolo Mariangeli Requisite: Manuel Kößler

Vergewaltigung, sexueller Missbrauch, ein schweres Thema – hier aus verschiedenen Perspektiven – Anlass: „Mein kleines Prachttier“ in den Münchner Kammerspielen. In der kommenden Spielzeit wird an den Münchner Kammerspielen das Stück „The truest True Crime“ zu sehen sein, Premiere wird am 11.12. sein. Es wird die Erzählung einer Frau (true story) von ihrer Vergewaltigung und von ihrer eigenständigen Ermittlung des Täters sein. Schon jetzt ist an den Münchner Kammerspielen eben „Mein kleines Prachttier“ zu sehen. Darum geht es hier. Ein kompletter „Seitenwechsel“, es ist die eindringliche fiktive Erzählung eines 49-jährigen Mannes von der Vorgeschichte seiner Vergewaltigung eines 14-jährigen Mädchens, eines Tierarztes, der im Hause des Mädchens ein und aus ging.

Dazu „passend“ – wenn auch rührend aus älterer Zeit – ist derzeit auch an den Münchner Kammerspielen das Stück „Fräulein Else“ – nach Arthur Schnitzlers gleichnamigem Roman – zu sehen. Es ist der Bewusstseinsstrom einer jungen Frau angesichts der damaligen sexualisierten Gewalt ihr gegenüber seitens eines Geschäftsfreundes des Vaters, der ihre und des Vaters Notlage ausnützt. Dieses Solostück mit Julia Riedler (auch in gewisser Weise aktualisiert für die heutige Zeit) war gerade zum Berliner Theatertreffen 2026 eingeladen, das im Mai stattfand.

Am Münchner Residenztheater wird in der kommenden Spielzeit das Stück „Prima Facie“ weiter im Spielplan stehen. Dort geht es – ein weiterer Aspekt! – um die junge forsche und trickreiche Anwältin von Angeklagten in Fällen sexualisierte Gewalt, die nun selbst vergewaltigt wird und jetzt erkennt, welche Probleme die Gerichtsverfahren bieten, wenn es um die Glaubwürdigkeit des Opfers geht.

Noch etwas: „Bye Bye Lolita“ wird im Oktober am Münchner Residenztheater (Cuvillestheater) Premiere haben. Lea Ruckpaul lässt in ihrem erfolgreichen Debütroman die Opferfigur Dolores Haze – Lolita – überleben und erzählt die Geschichte ihres jahrelangen Missbrauchs durch ihren Stiefvater mit der Analysefähigkeit der erwachsenen Frau.

Viele Sichtweisen also.

Nun zu „Mein kleines Prachttier“:

Fazit unten: Man sollte es sich ansehen, sogar das Buch lesen und dann darüber reden! „Wir müssen ins Gespräch kommen“ sagt Leonie Böhm zu diesem Thema, das schafft sie hier.

Das Stück hatte am 13.06. Premiere an den Münchner Kammerspielen. Die Inszenierung ist von Leonie Böhm, die auch zusammen mit Julia Riedler für „Fräulein Else“ verantwortlich zeichnete. Leonie Böhms Thema: Die Scham soll die Seite wechseln, der Täter soll sie empfinden, nicht das Opfer soll das Leben lang damit belastet sein!

„Mein kleines Prachttier“ basiert auf dem im höchsten Maße bedrängenden Roman von Marieke Lucas Rijneveld. Das Buch, erschienen 2021, ist um ein Vielfaches intensiver und breiter angelegt, als das Theaterstück. Leonie Böhm hat den Inhalt des Romans für die Bühne auf etwa eine Stunde gekürzt, eingedämpft, auch sprachlich verändert, um eine nach ihren Vorstellungen passende Bühnenversion entstehen zu lassen.

Ist es gelungen? Nun, es ist fragwürdig. Nach dem Stück hört man auch Stimmen wie: „Hier wird das Vorgehen eines Pädophilen verharmlost“. Schließlich vergewaltigt der Tierarzt in dieser besonderen Beziehung das 14-jährige Mädchen am Ende, wenn sie wehrlos im Krankenhaus liegt. Ja, eine Vergewaltigung in jungen Jahren oder überhaupt ist fürchterlich! Ja, ein Pädophiler! Frauen können danach wahrscheinlich kaum noch frei und glücklich leben. Da ist aber genau das Ende des Stückes, Leonie Böhm zeigt auf der Bühne, dass das Mädchen letztlich glücklich und frei weiterleben möchte, wie immer schon. Das Mädchen fühlt sich „innerlich schief“, aber es soll für sie glücklich weiter gehen. Das wird auch das Ende des Buches sein, ich lese es gerade.

Meine Meinung dazu aber: Auf den 360 Seiten des Buches wird das besondere Verhältnis zwischen dem Tierarzt, der fast täglich auf dem Bauernhof des Vaters des Mädchens erscheint, und dem Mädchen selbst um ein Vielfaches deutlicher geschildert. Eines ist klar: Es ist auf jeden Fall so, wie es der Tierarzt auf der Bühne sagt: „Ich bin ein Monster! Ich habe sie zerstört!“ Er weiß es schon sehr früh. Wenn man das Buch liest, spürt man mehr und mehr: Da brodelt lange lange die Pädophilie in ihm! Es ist in meinen Augen dennoch „die Sache wert“, hm, dass dieser Mann in diesem fiktiven Roman alles genau schildert, dieses besondere Verhältnis der beiden, die intensive Vorgeschichte, was alles dahinter steht. Er will alles darlegen, alles. „Damit ich mich sehe und Du Dich“ heißt es in etwa. Es steht insgesamt viel dahinter, das Mädchen und er, sie sind beide sehr sensibel, haben ihre Traumata, ihre Ängste, ihre Trauer, ihre Fantasien. Sie haben sehr ähnliche Themen mit sich. Irgendwie steht dabei der Unterschied dahinter, der sich zu gleichen Themen ergibt aus dem „phantasievollen Leben in Kindheit und Jugend“ gegenüber dem „Leben in der harten Realität der Erwachsenenwelt“. So ist es eine nicht immer nur einseitigen Annäherung. Das junge Mädchen aber denkt harmlos in ihrer Welt, er dagegen weiß: Er wird das Monster sein, er wird sie „aus der Erde reißen“.

Die Besonderheiten des Verhältnisses beider zueinander kommen in der Bühnenfassung von Leonie Böhm nicht ganz ausreichend zum Ausdruck, finde ich. Dann würde man nämlich noch besser verstehen, dass es sich bei der Erzählung von Rijneveld eben nicht „nur“ um die schnelle fürchterliche Handlung eines „Pädophilen“ handelt, sondern – zumindest in dieser Erzählung – dass es alles hier eine lange besondere Geschichte hat. Das zeigt ja Marieke Lucas Rijneveld auf 360 Seiten und durchaus auch Leonie Böhm, aber letztere m. E. zu kurz, gut und klug gekürzt, aber doch zu kurz. Auch wenn es am Ende ein klarer Fall von Vergewaltigung ist, Buch und Böhm wollen insoweit den Blick weiten hinein in ein bisher literarisch weitgehend unbeschriebenes Blatt.

Die Inszenierung ist im übrigen aber m. E. gelungen! Neben dem Text wird nicht viel auf die Bühne gebracht. Annette Paulmann und Maren Solty spielen zusammen (insgesamt beide natürlich sehr gut!) den 49-jährigen Tierarzt. Die grauenhafte Absicht des Mannes kommt allenfalls etwas zu kurz in ihrem doch recht lockeren Verhalten auf der Bühne. Nur kurz wechselt Maren Solty auch in die Rolle des Mädchens und am Ende wechseln beide Schauspielerinnen noch kurz gemeinsam in deren Rolle. Schön ist aber übrigens wiederum der Altersunterschied der beiden Schauspielerinnen, er hält alles offen.

Das Bühnenbild ist ein riesiges Geweih, sonst nichts. Im Buch steht das Geweih für Geschlechtsteil. Man kann sich aber auch viele andere Dinge darunter vorstellen. Sich verzweigende Gedankenwege … die Entwicklung eines Verhältnisses zweier Menschen … das Leben … Argumente, Gespräche … alles verzweigt sich … und und und. Das inspiriert.

Daher: Man sollte es sich ansehen, sogar das Buch lesen und dann darüber reden! Vielleicht nur hätte sLeonie Böhm noch etwas mehr darauf achten müssen, dass es nicht für den Zuschauer um Verharmlosung von Pädophilie geht, hätte doch etwas mehr aus dem Buch bringen müssen. Aber ihr Ansatz schon bei ihrer „Fortschreibung“ von Schnitzlers „Fräulein Else“ war ja eben derjenige, dass das geschädigte Mädchen trotz allem am Ende frei sein soll, nicht ihr Leben lang belastet sein soll! Der Mann soll belastet sein! Stimmt, wenn es geht!

Hier noch ein Foto:

Hier der Link zur Stückeseite von „Mein kleines Prachttier“auf der Website der Münchner Kammerspiele: https://www.muenchner-kammerspiele.de/de/programm/42871-mein-kleines-prachttier

Copyright der Fotos: Judith Buss

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Gelesen und geblättert

THEATER: Einige Premieren der Spielzeit 2026/2027

Vom Münchner Residenztheater und von den Münchner Kammerspielen kann ich hier schon einmal die Übersichten der Premieren der kommenden Spielzeit bringen. Weiteres wird folgen:

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Gesehen und gehört

THEATER: Werner Schwab – Die Präsidentinnen

Einen Stückeinhalt gibt es hier nicht, also etwa eine irgendwie zu erzählende von den SchauspielerInnen gemeinsam erlebte Geschichte. Nein, typisch Werner Schwab: Es sind Sprechblasen, sprachliche „Auswürfe“ der drei „Präsidentinnen“, in derber Sprache, ohne dass dadurch Charaktere entstehen. „Die Präsidentinnen“ des österreichischen (vor 32 Jahren sehr jung verstorbenen) Autors Werner Schwab hatte Premiere am Münchner Residenztheater.

Es gibt im Grunde nicht einmal so etwas wie Kommunikation. Man soll gerade kein „Theaterstück“ im herkömmlichen Sinne sehen. Das ist/war Werner Schwab. Er wollte nur Sprache zeigen. Derbe Sprache trifft auf Mensch, der Mensch ist nichts, der Mensch ist, was er ausscheidet, auch Sprache scheidet er aus. Er kommt aus dem Dreck, produziert Dreck und vergeht zu Dreck. Also ist alles Dreck – aber jeder Mensch hat seine Einbildung, seine Lebenswelt, seine Fantasie. Die wahnsinnige zeitlose Gedankenwelt des Werner Schwab. Gute Einblicke in Werner Schwabs Gedankenwelt gibt das Programmheft, ohne das man hier aufgeschmissen ist. Das absolut Gelungene ist: Es ist bitterböse und irgendwie ja inhaltlich besonders sinnlos, aber humorvoll und großartig inszeniert wird damit die Gedankenwelt des Werner Schwab aufs Tableau gebracht.

„Die Präsidentinnen“ ist eines der „Fäkaliendramen“ von Werner Schwab. Warum die drei Damen des Stückes „Präsidentinnen“ heißen? Keine Ahnung, sie sitzen in einer Küche! Der Titel „Die Präsidentinnen“ klingt irgendwie fast falsch, aus der Welt gefallen.

So geht es also „inhaltlich“ immer wieder um das Ausscheiden, um verstopfte Toiletten, zumindest in den sprachlichen Auswürfen einer der drei „Präsidentinnen“, den Auswürfen der Mariedl.

Nachdem sich Erna, Grete und Mariedl im Fernsehen die Übertragung einer Papstmesse angesehen haben, unterhalten sie sich über Gott und die Welt, in der Küche. Jede der drei Präsidentinnen lebt in ihrer Welt, in ihrer Fantasie. Das einzige, was zusammenhält, ist, dass die jeweiligen Auswürfe einer der Präsidentinnen Reaktionen der jeweils anderen beiden „Präsidentinnen“ in Form ihrer jeweiligen Auswürfe – und auch in brutalerer Form – hervorrufen.

Die geizige Erna sorgt sich um ihren Sohn Hermann, der lieber säuft als ihr ein Enkelkind zu schenken.Und sie fantasiert über den von ihr angehimmelten Fleischhauer Wottila, nicht zufällig mit Namen fast gleich fast demjenigen des damaligen Papstes Karol Woytila. Das Göttliche rahmt ohnehin alles ein. Alles ist böse. Die lüsterne Grete erzählt von ihrer psychisch verwirrten, in Australien lebenden Tochter Hannelore und schwärmt von ihrem Dackel Lydi. Und Mariedls große Leidenschaft ist es eben, verstopfte Klos mit bloßen Händen auszuräumen, wobei sie es zu einer wahren Meisterschaft gebracht hat. Kann man mehr Unsinn auf die Bühne bringen?

Die drei Frauen träumen von einem Fest, auf dem Grete einem Musikanten den Kopf verdreht und Wottila um Ernas Hand anhält, während Mariedl unter dem Jubel der Menge ohne Handschuhe die verstopften Klomuscheln reinigt, Dinge herauszieht, eine Dose Gulasch etwa. Mariedl lässt auch Hermann das Fest besuchen. Und so weiter, es gibt zumindest einen Verlauf an Ereignissen.

Mit herkömmlichen Worten lässt sich dieser Abend nicht im Geringsten einordnen. Was man allerdings sieht, ist – wie gesagt – großartig: Drei tolle Schauspielerinnen: Katja Jung, Myriam Schröder und Lisa Wagner. Wie sie hier fast verrückt und völlig überzeichnet agieren, in ihrem Aussehen, ihren Bewegungen, ihrer Sprache, ihrer fehlenden Mimik. Durch sie wird alles wie zu einer bösen Karikatur des (vor fast genau zehn Jahren verstorbenen) österreichischen Karikaturisten Manfred Deix! Ja, überhaupt Österreich – Manfred Deix und Werner Schwab mit Nähe zu Thomas Bernhards bösem Blick auf alles, bei Werner Schwab ist es nur noch deutlich „zerstörerischer“, er hat einen brutaleren Blick auf den Menschen, der Mensch und Kommunikation ist bei ihm fast nichts wert.

Des Weiteren sieht man: Das Bühnenbild und die Kostümierung, ebenfalls wirklich großartig! Alles ist auch hier überzeichnet, eine aufgedunsene und bunte Welt! Die karge Küche mit sinnloser Leiter nach oben ist eingerahmt in einem bunten vielleicht zehn Meter hohen Heiligenhäuschen, einem „Marterl“. Das wiederum ist mit Lämpchen bestückt, wie ein Spielautomat. So scheinheilig ist die Welt. Dazu die fast Comic-hafte Farbgebung des Inneren des Marterls und der Kostüme, siehe die Fotos.

Also: Hier ist eine wirklich in Allem großartige Inszenierung des – zumindest weiter zurückblickend, soweit ich kann – nicht selten inszenierten Werkes von Werner Schwab, in der dessen schwer verständliche oder auch fast schwer verdauliche Blick auf „Mensch und Sprache“ Gegenstand wird, – was man so mit sehr viel Humor gerne ansieht.

Hier sind noch zwei Fotos:

Hier der Link zur Stückeseite auf der Website des Münchner Residenztheaters: https://www.residenztheater.de/stuecke/detail/die-praesidentinnen

Copyright der Fotos: Birgit Hupfeld

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Allgemein

THEATER: Die Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz

In der kommenden Spielzeit beginnen NEUE ZEITEN an der Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz. Die ÜBERGANGSZEIT, die im Februar 2024 mit dem überraschenden Tod des damaligen Intendanten René POLLESCH begann, geht zu Ende! Im Herbst (eigentlich schon im August mit der Aktion „VOLKSBAD“) beginnt die ERSTE SPIELZEIT unter dem neuen Intendanten Matthias LILIENTHAL. Die Volksbühne, ein „GESCHENK“, wie er sie kürzlich in einem Interview nannte. Sie wird ein NEUES GESICHT erhalten, will Zentrum der Kreativität, Zentrum der verschiedensten Ansätze moderner Kunst und Zentrum des NACHDENKEN und der Diskussion über unsere WELT bleiben bzw. werden. Es wird spannend.

Einen ersten Blick in diese neue Welt liefert die derzeitige Version der Website der Volksbühne. Hier ist der Link zur derzeitigen Website: https://neu.volksbuehne-berlin.de/#reihen-und-projekte

Die endgültige NEUE VERSION der Website der Volksbühne soll am 1. Juli freigeschaltet werden.


Copyright des Fotos: Picture Alliance / dpa / Manfred Krause

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THEATER: Doris Uhlich – Glitsch die zweite

Ich habe es gestern, am 07. Juni, ein zweites Mal gesehen und eine Bekannte, die mit mir in diesem erstaunlichen Tanztheaterstück war, schrieb mir später Folgendes:

„Nach der Vorstellung freute sich eine Frau, dies sei gelungene Inklusion. Ich sah das anders. Eigentlich ist gar nicht festzuhalten, dass zwei von den sechs Schauspieler*innen Einschränkungen hatten. Denn auf der Bühne haben alle eine so grandiose Vorstellung gegeben, dass die Behinderung bedeutungslos war. 

Bei Wörtern wie „grandios“ ist nicht gesagt, was auf der Bühne stattfand. Das Ich, das Du, das Wir, das Entstehen und Vergehen, alles geht ineinander auf auf der Bühne. Glitschige Ursuppe tröpfelt und fließt und das Licht umfängt alles. Es ist keine spaßige Rutschpartie, es ist das ineinander Aufgehen, das sich Trennen und sich selber neu Erfinden, umgeben vom Schleim der Geburt. Es ist ein ernstes, ein beeindruckendes Erfahren von Körperlichkeit. Nacktheit heißt, die Geschlechtsteile zu zeigen. Aber die Dynamik der Veränderung, des Tanzes, des sich Hingebens lässt kaum Raum für die Zuteilung von Geschlechtern oder voyjeuristische Eindrücke. Sexualität ist hier im Hintergrund, das ist schon erstaunlich im Rückblick. Die sechs nackten Schauspieler*innen zeigen körperliches Verbinden in fließenden Varianten, sich tragen, sich ziehen lassen, sich verschränken, ineinander räkeln. Es ist viel Bewegung. Und viel Glitsch fließt zäh über die Körper. Die Musik heizt ein und wilde, zuckende Bewegungen werden in einer Freiheit präsentiert, die wohl nur äußerst selten auf Bühnen miterlebt werden. 

Nur eine kleine Sprecheinlage. Körper mehrmals wiederholt mit einer Freude am Sein, am Mensch sein. 

Es ist ein ernstes Treiben, es gibt Sturz und Wandlung, mich berührt vor allem die Offenheit, sich selbst zu begegnen und den anderen fast schon durchdiffundieren zu lassen. Und auch die langsamen Szenen, wo achtsam der Glitsch, erforscht und verteilt und ergossen über dem Haupt, zäh seltsame Formen mit dem Körper bildet, Schwimmhäute, fledermausartige Flügel überall. Der Glitsch ist überall am mitgestalten der Verbindungen. Und ja, alles fließt auch über Brüste, Vulva und Penis, aber das macht das Stück nicht aus. Es ist eine Randnotiz. Es ist die Mitte des Menschseins, dieses Gestalten, das Verfallen, das Scheitern und Aufbegehren. Es ist einfach alles, das all eins Sein, der ehrliche Blick auf das Ich, das Du und das Wir im Mensch sein. 

Ich bin froh, dass ich das erleben konnte.

Mein damals erster Bericht (vom 29. April) ist übrigens hier (nur so möglich): https://qooz.de/2026/04/29/theater-doris-uhlich-glitsch/

Darin hatte ich am Ende geschrieben:

„Mehr sei hier nicht gesagt, Doris Uhlich und die sechs insoweit mutigen SchauspielerInnen zeigen uns hier eine andere Welt, Worte würden zu Definitionen führen, aber genau das soll hier entfallen!“

Hier sind nun mehr Worte, die es schaffen, nicht zu engen, herkömmlichen Definitionen zu führen, schön beschrieben und schön gesehen!

Hier noch zwei Fotos:

Copyright der Fotos: Judith Buss

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Gesehen und gehört

MUSIK: Ólafur Arnalds

Der Isländer Ólafur Arnalds. Bei Wikipedia heißt es:

„Er war Mitglied mehrerer Bands und ist seit 2007 hauptsächlich als Solomusiker tätig. Seine Kompositionen bewegen sich zwischen Indie, Neo-Klassik und elektronischer Musik.“

Er ist im Herbst auf Europatournee, gibt im Oktober 2026 zwei Konzerte in Berlin, beide sind aber wohl ausverkauft.

Hier ein langer Mitschnitt eines seiner schönen sehr langsamen Konzerte:

Und hier der Link zur Website von Ólafur Arnalds: https://olafurarnalds.com

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Gelesen und geblättert

LITERATUR: PEOPLE GONE MAD

Der Untertitel dieses Buch lautet: „Wie die Demokratie sich selbst zerstört“. Riesenthema unserer Zeit! Neben Umwelt/Klima vielleicht das größte Thema! Die Welt wird immer globaler … Klima und Umwelt, Wirtschaft, rasante technologische Entwicklungen, Informationsflut, Abhängigkeiten, Konkurrenzen und und und, alles wird zum globalen Wettkampf. Daneben Kriege, Flucht!

Können sich in dieser rasanten Welt „echte Demokratien“ (die ja auf Diskussionen, Kritik, auf viel Zeit, auf Widerspruch und auf Kompromissen basieren) überhaupt noch halten oder wollen immer mehr Bürger eher etwas „Autoritäres“ als ihren Halt und ihre Sicherung in dieser Welt? Sieht ja so aus!

Der Historiker Moshe Zimmermann (M.Z.) sagt: Wehret den Anfängen! Er hat sich des Themas der Auflösung von Demokratie hin zu „illiberaler Demokratie“, zur „Ochlokratie“ oder „Zustimmungsdiktatur“ und „Autokratie“ mit Blick auf Vorgänge des schleichenden Untergangs von Demokratien in einigen Fällen der Vergangenheit und zusätzlich mit Blick auf die Gegenwart in Ungarn ( unter Victor Orban noch), in Deutschland (Stichwort AfD), in den USA (unter Donald Trump) und in Israel (unter Bibi Netanjahu ) angenommen. Ein wertvolles, lohnendes Buch, das die Augen ein bisschen öffnen kann!

M.Z. hat kein Wunderrezept, hält aber die Vorteile echter Demokratie ausdrücklich hoch! Die Vorteile der freiheitlichen Demokratie seien im Vergleich zu allen anderen Staatsformen „beeindruckend“. Das Buch endet mit Blick auf eine Aussage von Hannah Arendt: Solange der Staatsbürger sich politisch aktiv verhalten kann, muss er dagegenhalten, demonstrieren, sich äußern und entsprechend handeln, um den Prozess der Irreführung aufzuhalten. Es entstehe eben ein Prozess der Irreführung, anfangs sogar gerade mit den Mitteln der Demokratie. Der Prozess der „Irreführung“ weg von der Demokratie sei schleichend, zeigt M.Z., kurz gesagt. Am Ende bleibt der Appell an den Einzelnen, der moralische Appell an die Verantwortung und an den Menschenverstand als beste Abwehr gegen den people-gone-mad-Prozess.

Mein Fazit:

Verteilt über das – insgesamt sehr wertvolle – Buch werden immer wieder Faktoren genannt, die zum schleichenden Verschwinden der Demokratie führen, ich hätte mir nur gewünscht, dass diese Faktoren noch prägnanter aufgezeigt werden, dass sie nicht immer wieder schnell untergehen in der Gesamtschilderung des Historikers! Schade. Das wäre meine Kritik, es bleibt aber bei aufmerksamem Lesen ein sehr wertvolles Buch!

Der Aufbau des Buches:

M.Z. steigt (nach einem wichtigen Anfangskapitel – siehe unten) mit historischen Beispielen des Untergangs von Demokratien ein: Frankreich, die Affäre Boulanger und die Dreyfusaffäre, Amerika vor dem Zusammenbruch des Sowjetreichs, die damalige „rote Gefahr“ bis 1989, dann Deutschland vor dem Zweiten Weltkrieg, Weimarer Republik und schließlich Israel vor allem seit Bibi Netanjahu. Vor allem äußere Feinde der Demokratie werden oft benutzt, um das Volk im Inneren „verrückt“ zu machen.

Dann kommt das Kapitel „Nach dem Ende der Geschichte“, also nach dem Zusammenbruch des Kommunismus 1989. Das Feindbild „Kommunismus“ verschwindet. Es entstehen aber neue Feindbilder, 9/11 etc.

Dann kommt fast als Fazit das Kapitel „ Gebrauchsanweisung für Demokratiezerstörer“. M.Z. unterscheidet dabei genauer: 1) Die Zeit, in der sich das Verschwinden der „echten“ freiheitlichen Demokratie anbahnt (Populisten auf dem Weg zur Macht), und 2) danach die Zeit, in der die wesentlichen Werte der freiheitlichen Demokratie bereits aufgegeben worden sind, verwässert sind und sich die Demokratiezerstörung weiter fortsetzt (Populisten an der Macht), die Zeit also, in der der Kampf für freiheitliche Demokratie schon als „Landesverrat“ eingestuft wird (M.Z. zitiert Erich Kästner). In der ersten Phase wird vor allem die Vernunft immer mehr durch den Glauben und durch Emotionen ersetzt! In der zweiten Phase werden dann die entscheidenden Institutionen der Demokratie konkret zerstört, Erziehung, Bildung, Wissenschaft, Medien, Justiz, Kultur … alles wird in Linie gebracht, siehe auch Donald Trump.

Das alles ist gut aufgezeigt. Mit dem Wissen des Historikers. Zu den Faktoren, die in der wichtigen ersten Phase den schleichenden Prozess der Zerstörung der Demokratie „von innen heraus“ ermöglichen, muss man aber fast eine Liste anlegen. Die Faktoren verschwinden sonst fast durch den doch recht historischen Stil der Erläuterungen (oder der Übersetzung?). Hier kommt jedenfalls das allererste Kapitel des Buches ins Spiel:

  • Entscheidend ist: Das „Volk“ verhält sich durch die Populisten mehr und mehr „kontrarational“, emotional – was der Demokratie und dem Austausch von vernünftigen Argumenten nicht entspricht.
  • Anstand und Vernunft, auch Wahrheiten, gehen unter. Emotionen werden gefördert durch Feindbilder, durch Ängste. Es soll auch fast eine „Furcht vor zuviel Freiheit“ entstehen.
  • Die demokratisch Gewählten werden als die „Zerstörer“ der Demokratie dargestellt, die Populisten als die „Retter“ der Demokratie!
  • Glaube wird geschürt, Skepsis wird als Element der Verwirrung dargestellt. Obwohl doch Skepsis und Kritik Elemente der freiheitlichen Demokratie sind.
  • Fakten werden verdreht, was bei den heutigen Sozialen Medien leicht möglich und leicht und schnell „streubar“ ist.
  • Die Wortwahl, die Sprache wird unsauber! Das Wort „Demokratie“ etwa wird beibehalten, aber es wird vom Volksinteresse so gesprochen, als seien es nur die „Populisten“, die wirklich das „Volk“ im Auge hätten.
  • Vorbilder werden geschaffen, auch wenn es die „gute alte Zeit“ ist.
  • Vorurteile, Pauschalisierungen und Ressentiments werden geschürt.
  • Gewalt wird als Heilmittel im Inneren und nach außen dargestellt. Wenn Gewalt außen eingesetzt wird, wird sie auch nach innen eher akzeptiert. Siehe Donald Trump.
  • Nötige Einschränkungen von Freiheiten zum Schutz von Grundwerten (zB in der Coronazeit) werden als Attacken auf die „Demokratie“ bewertet.
  • Soziale Abstiegsangst wird geschürt.
  • und und und

Viele gute Punkte, die man auch hier in Deutschland sehr genau beobachten muss. Man muss allerdings sagen: Die gewählten Vertreter in der freiheitlichen Demokratie (zB hier in Deutschland) müssen eben auch gut sein! Sonst ist ein weiterer Faktor für einen Angriff gegen die freiheitliche Demokratie geschaffen, der Faktor „Unzufriedenheit mit den gewählten Vertretern“. Und da dürfte hier ruhig Einiges besser laufen, diese „Unzufriedenheit“ hilft auch der AfD, eine Irreführung des „Volkes“- weg von der freiheitlichen Demokratie – zum Erfolg zu führen! Der Weg aus der Irreführung heraus zurück zur freiheitlichen Demokratie ist schwieriger, so M.Z.

Der Link zum Buch hier (geht zurzeit nicht anders):

https://www.ullstein.de/werke/people-gone-mad/hardcover/9783549110201

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Gesehen und gehört

THEATER: Annie Ernaux – Das Ereignis

Zum ersten Mal ist er Regisseur eines Theaterstücks. „Das Ereignis“ von Annie Ernaux ist das Stück – momentan an den Münchner Kammerspielen (im Werkraum). Geboren wurde er 1988 im Ruhrgebiet (heute also 38 Jahre alt), wuchs bei seiner (türkischstämmigen) alleinerziehenden Mutter auf. Text und Theater wurden ab 2010 sein Ding.

Davor war er eher in Richtung Philosophie unterwegs, „formale Logik“ war sein Thema gewesen. Dann ging es weg von der Logik und hin zu Text und Theater. Am Theater arbeitete Necati Öziri als Dramaturg, schrieb mit erstaunlichem Erfolg eigene Theaterstücke und Bücher, in Zürich hat z. B. Christopher Rüping 2022 seinen Theatertext „Der Ring des Nibelungen“ inszeniert. Sein Roman „Vatermal“ wiederum schaffte es dann bis in die Shortlist des Deutschen Buchpreises. 2018-2022 war er Leiter des internationalen Forums des Berliner Theatertreffens. Also interessant!

“Das Ereignis“ ist (natürlich) ein autobiografischer Text der französischen Nobelpreisträgerin Annie Ernaux. Es geht um die Abtreibung, die Annie Ernaux im Alter von 23 Jahren durchführen ließ. Sie war ungewollt schwanger und wollte auf keinen Fall das Kind bekommen. Damals zumindest, manchmal hört es sich fast so an, als würde sie es im Nachhinein – als sie es schrieb, war es 30 Jahre später – fast bereuen, so genau wie sie es beschreibt. Aber im Ganzen schildert sie ja die damalige Situation der 23-jährigen Annie Ernaux, das ist ja auch bei anderen Texten ihr Weg, die Dinge aufzuarbeiten.

Abtreibung war damals strafbar, war auch gesellschaftlich noch ganz anders gesehen. Der schwere Weg der jungen Annie Ernaux überhaupt hin zu einer Möglichkeit, abtreiben zu können. Die Zeitspanne zwischen dem Erfahren von der Schwangerschaft und der Abtreibung! Sie und ihre Umgebung in dieser Zeit! Die Reaktionen damals! Ihre Versuche. Die Widerstände, ihre Erfahrung damals! Das Gefühl, dadurch von der Welt abgetrennt zu sein. Das will sie schildern! Sehr eindrücklich, sehr schonungslos, bis hin zur genauen Beschreibung des abgetriebenen Fötus‘ in ihren Händen und in der Zwiebacktüte, bevor sie ihn ins Klo wirft. Schrecklich und ein schweres ethisches Thema bleibt es ja immer, egal ob strafbar oder nicht. Manch ein kleiner Satz des Textes ist sogar dann, wenn man ihn liest, fast noch eindringlicher, als wenn er nur kurz geäußert wurde. Zu Beginn wird es sehr persönlich, Eva Bay spricht kurz mit einzelnen ZuschauerInnen und „holt uns damit ab“.

Die Inszenierung ist aufs Äußerste reduziert. Es ist fast keine Inszenierung, könnte man meinen: Die Schauspielerin Eva Bay spricht den Text (eine Übersetzung des französischen Originals „L‘événement“, von Sonja Finck) emotional sogar eher zurückhaltend, auf leerer, dunkel gehaltener Bühne (im Werkraum), selber sehr neutral, eher streng gekleidet, fast zu jung auch für die (als sie es schrieb) fast 60-jährige Annie Ernaux.

Nur zwei kleine „Eingriffe“ des Regisseurs gibt es dabei: Auf der Videowand im Hintergrund liest man manchmal einen der damaligen Tagebucheinträge von Annie Ernaux. Und: Kurz spricht Eva Bay manchmal in ein am Rand stehendes Mikrofon, wenn sie zusätzlich aktuelle Gedanken der Schreiberin Annie Ernaux zum Text widergibt – was eigentlich untypisch ist für Annie Ernaux’ Herangehensweise an die Vergangenheit.

Dass sie am Ende „stolz“ ist, es endlich so niedergeschrieben und geschildert zu haben, ist eigentlich eher ihre Sache. Andererseits: Sie äußert, diese schwere Phase bis zur Abtreibung musste genau beschrieben werden! Nur darum ging es ihr! Nur das sei sie der Sache schuldig – was allerdings etwas nüchtern klingt. Es ist ohnehin meines Erachtens nicht der stärkste Text von Annie Ernaux.

Kein leichtes Stück jedenfalls, das sich Necati Öziri herausgesucht hat oder das er hier übernommen hat für seine erste Inszenierung. Bei diesem Text konnte er sich eigentlich nur extrem zurückhalten. Genau das passt, man darf aber auf Weiteres und Anderes von Necati Öziri gespannt sein.

Hier der Link zur Stückeseite auf der Website der Münchner Kammerspiele: https://www.muenchner-kammerspiele.de/de/programm/50067-das-ereignis

Copyright des Fotos: Sima Dehgani

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Gesehen und gehört

THEATER: Michail Bulgakow – Meister und Margarita

Der Roman „Meister und Margarita“ von Michael Bulgakow ist ein Fantasieroman des Wahnsinns. Moskau zur Stalinzeit – Zauberei, Hypnose, der Teufel, ein sprechender Kater, Zeitsprünge über Epochen, bis zurück zu Pontius Pilatus, überall verwirrte Menschen und und und, alles steht auf dem Kopf. Das war Bulgakows Methode der Systemkritik in der Stalinzeit.

Dieser zugegeben sehr komplizierte und sehr umfangreiche Roman ist nun an den Münchner Kammerspielen auf die Bühne gekommen. In der Inszenierung folgt man zusätzlich sogar einem Sprung hin zu den Rolling Stones: „Sympathy for the Devil“!

Es ist eine Inszenierung von Jette Steckel, deren letzte Münchner-Kammerspiele-Inszenierungen „Die Vaterlosen“ (2023) und „Mephisto“ (2025) jeweils zum Berliner Theatertreffen eingeladen waren. Ihre Inszenierung von „Meister und Margarita“ ist natürlich – trotz ihrer knapp über vier Stunden Dauer – „nur“ eine kurze Version dieses Mammutwerkes, aber sie ist beeindruckend.

Denn wie im Roman: Der Wahnsinn, der sie alle durch das Erscheinen eines „Teufels“ (Professor Woland) erfasst, lebt sich in jeder Hinsicht gut inszeniert aus, das muss erst einmal gelingen. Man folgt einem Theaterwerk der Dunkelheit, der Verwirrung, man spürt den Wahnsinn des Romans, er schwappt kurz sogar – in gewagter Form – auf die Maximilianstraße hinaus. Der Roman – 1940 war er zu Ende gebracht – war in Russland lange Zeit verboten und kam erst 1966 in erster, verkürzter Fassung zur Veröffentlichung. Im – sehr hilfreichen – digitalen Programmheft zur Inszenierung heißt es:

Auf eine unzensierte Version musste die sowjetische Leserschaft bis 1973 warten; …. Erst in den 1990ern kam in Russland der millionenfache Druck, und Der Meister und Margarita wurde vor allem unter jungen Menschen zum Kultbuch.

Verboten war der Roman zunächst eben, weil er die damaligen stalinistischen Zeiten völlig auf den Kopf stellte und damit intensiv kritisierte. Natürlich erkannte man in jeder Szene Systemkritik, Bulgakow lebte wahrscheinlich in unvorstellbarer ständiger Angst, unter massivem Druck, unter strenger Zensur etc. Zahlreiche seiner anderen Werke wurden verboten.

Zur Inszenierung: Das dunkle Bühnenbild dieser Inszenierung ist immer wieder ein Hingucker: Sowohl bei Pontius Pilatus‘ (hervorragend Edmund Telgenkämper) Gesprächen mit Jesus (auch hervorragend Erwin Aljukić), als auch im Hauptteil der Inszenierung, in dem riesige Kettenvorhänge Räume schaffen und in dem diese Kettenvorhänge immer wieder den Eindruck von Traum und Wahnsinn schaffen und gut ausdrücken (Bühne: Florian Lösche).

Auch die Besetzung ist hier wieder eine Freude! Hervorgehoben seien aus meiner Sicht Edmund Telgenkämper und Erwin Aljukić, ohne andere nur irgendwie schmälern zu wollen. Auffallend ist daneben noch, dass Linda Pöppel, die man mit ihrer naturgegebenen immensen Bühnenpräsenz eher vom Deutschen Theater Berlin her kennt, dieses Ensemble bestens ergänzt. Man kann nur hoffen, dass sie öfter … Es ist von allen ein Fest der Spielfreude.

Einzig eine Art Showeinlage in Sachen Hypnose (ein großes Thema des Romans) nach der Pause wird etwas langatmig.

Der Kenner mag im Roman zusätzlich viele kleine Einzelheiten erkennen, auch Verbindungen zu Goethes Faust. Wohlan zum Buch! Mein Fazit zur Inszenierung: Man muss wissen, man sieht insgesamt hier schlicht die (wie gesagt sehr spielfreudige) Inszenierung eines russischen Klassikers der Weltliteratur, Bezüge zur heutigen Zeit braucht man nicht zu suchen, soweit sind wir nicht, dass Systemkritik nur noch in der Form einer Geschichte reinen Wahnsinns möglich wäre. Es bleibt somit ein sehr gelungener Abend für Theaterfreunde, die sich einfach mal gerne mit allen möglichen Emotionen (ernsten und heiteren) in einer wilden Geschichte mit wunderbarer Besetzung bei immer spannender Inszenierung durch einen langen Abend ziehen lassen möchten.

Hier der Link zur Stückeseite auf der Website der Münchner Kammerspiele: https://www.muenchner-kammerspiele.de/de/programm/42859-meister-und-margarita. Geht momentan nicht anders.

Hier noch ein Foto, Linda Pöppel als Margarita:

Copyright der Fotos: Armin Smailovic